«Jurassic World 3: Dominion» y la explicación del final

Jurassic World cierra las puertas

Jurassic World da por terminada su trilogía con Dominion, una entrega final cargada de acción que vuelve a los orígenes para traer Alan Grant, Ellie Sattler e Ian Malcolm y que sirve para cerrar este nuevo capítulo que empezó en 2015 con Jurassic World. La trilogía, a pesar de no tener el encanto de la original, nos ha devuelto la ilusión por los dinosaurios, un sentimiento que ya inauguró Steven Spielberg en 1993 con Jurassic Park. Además, el final nos ha vuelto demostrar una vez más que crear un parque de atracciones con animales extintos sigue sin ser una buena idea.

Pero esta nueva saga no ha querido centrarse únicamente en los dinosaurios y ha seguido abriendo nuevos caminos, en especial con la ingeniería genética. En este artículos desentrañaremos las claves de la última película y explicaremos la razón por la que hay una plaga de langostas gigantes campando a sus anchas, qué es lo que quiere la empresa Byron, quién es realmente el villano y la verdadera naturaleza de Maisie Lockwood.

JUrassic World 3, un nuevo mundo
JUrassic World 3, un nuevo mundo

Lo dinosaurios dominarán la tierra

El final de Jurassic World: El reino caído nos dejaba un camino incierto sobre el futuro de los dinosaurios. Los cuales por primera vez campaban tranquilamente por nuestro mundo, adaptándose a un entorno para el que no estaban diseñados a vivir. Así se nos presenta la nueva realidad: un mundo plagado de dinosaurios, con los que convivir en nuestro día a día. Animales del jurásico en las ciudades, los océanos y en plena naturaleza; mimetizándose con el resto de animales y tratando de convivir con los seres humanos. Dos superdepredadores en una sola época.

Pero esta entrega no trata de hablar de las implicaciones que tendría soltar unas cuantos dinosaurios en un hábitat desconocido . Sino que han querido llevar la historia por otro camino, el de la ingeniería genética tanto en humanos como en otros animales. Y de nuevo tenemos una

Viejos villanos en Jurassic World

El villano nos devuelve a Jurassic Park, donde ya le vimos aparecer por primera vez. Y es que se trata de Lewis Dodgson, un científico que trabaja para BioSyn, la compañía rival de Ingen (la creadora original de los dinosaurios) y que en Jurassic Park compra los embriones de dinosaurio a Dennys Nedry, el informático, es una escena mitiquísima en Costa Rica.

En esta ocasión le vemos como el CEO de Biosyn. Una especie de Steve Jobs lunático sin ningún tipo de ética o moral, que está dispuesto a lo que se para lograr su cometido. Y que bajo esta apariencia de «salvador de los dinosaurios», tiene proyectos más oscuros debajo de las instalaciones de la empresa. Y sí, ese gran secreto son: langostas gigantes.

Dosdgson, un viejo villano
Dosdgson, un viejo villano

El ataque de las langostas gigantes

Es difícil entender que una película que tiene como su mayor producto de valor el propio dinosaurio, haya preferido dedicar tanto tiempo a un insecto como las langostas. Y más que esa sea la excusa para reunir a los protagonistas de la original, desluciendo un homenaje que merecía mucho más. Pero más allá de que el guion hubiera necesitado una vuelta de tuerca, expliquemos por qué tenemos un ataque de insectos gigantes cuando podríamos tener a un Tiranosaurio Rex comiendo gente.

A través de la ingeniería genética, la empresa científica Byosin, que también se ocupa actualmente del mantenimiento y cuidado de los dinosaurios; ha creado unas superlangostas con el fin de atacar los sembrados de la competencia y así hacerse con el monopolio de la producción agrícola. Pero las langostas han resultado ser más resistentes de lo esperado y están arrasando con todo a su paso.

Otro viejo conocido, el científico Henry Wu, quiere tratar de cambiar su ADN para debilitarlas. Pero mientras que cambiar el ADN de una célula es sencillo, cambiar de forma controlada el de todas las células del cuerpo es imposible. Y más si encima quieres que esta mutación se transmita de unas a otras. Por eso necesitará una muestra de ADN de alguien en el que ya se usó esa tecnología años atrás: la niña clon, Maisie Lockwood

La niña clon

En Jurassic World 2 nos presentaban un avance nuevo en ingeniería genética que implicaba directamente a los seres humanos. Así conocíamos a la pequeña Maisie Lockwood, una niña clonada directamente de otro ser humano, en este caso Charlotte Lockwood.

Jurassic World Dominion sigue avanzando en esta trama y nos da más información sobre la hija, sobre la madre y sobre el ADN. De hecho nos cuentan que fue la misma Charlotte la que se clonó a si misma con la única intención de tener una hija sin padre de por medio. Pero esta murió de una enfermedad degenerativa imparable cuando la niña era todavía un bebe. Antes de morir logró cambiar todas las células de su hija/clon, la cual estaba destinada genéticamente a tener la misma enfermedad.

Henry Wu quiere estudiar a Maisie para poder hacer lo mismo con las langostas y así evitar que la plaga sea más catastrófica. Quiere cambiar el ADN de los insectos para hacerlos menos resistente y que eso no genere nuestro fin como especie.

Maisie en Jurassic World 3
Maisie en Jurassic World 3

Un final homenaje

El final es una reunión de las viejas y nuevas generaciones en un semi-parque de atracciones con dinosaurios muy cabreados en cada esquina. Un pequeño homenaje a Jurassic Park que nos deja varias referencias a la original (Ellie apagando el sistema de electricidad, la niña preguntando a Alan Grant que si tiene hijos, la muerte de Dogson…).

Tanto los antiguos como los nuevos héroes de la saga tienen un cometido en común: acabar con las intenciones de Byosin, denunciar lo que han hecho con las langostas y salvar a Maisie. Como no podía ser de otra forma, todos ellos logran sobrevivir, y ni siquiera el Tiranosaus-Rex logra darles caza. El que corre peor suerte es Dogson, que como homenaje, muere de una forma muy similar a como lo hizo Nedri en su día.

La escena final nos da a entender que los humanos, dinosaurios y el reto de especies animales han conseguido una especie de equilibrio en el mundo. Haciendo que la convivencia sea posible. Así cierra la nueva trilogía y así cierra una saga. Aunque nunca hay que despedirse del todo, porque la nostalgia es poderosa y quién sabe si en unos años se les vuelve a ocurrir abrir otro Parque de Atracciones Jurásico.

También puedes leer el Análisis de Jurassic World 2: El reino caído

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Análisis «Matrix: Resurrections» [Explicación del final con spoilers]

Analisis Matrix Resurrections explicación del final con Spoilers 1

«Matrix: Resurrections» nos llega más de 20 años después de que las hermanas Wachoski revolucionaron la industria del cine con la primera “Matrix”, una película que no solo creó tendencia en el cine de acción, sino que se asentó con firmeza dentro de la cultura popular tanto por su estética como por su mensaje. Y, aunque las secuelas decepcionaron a un gran porcentaje del público, la primera entrega sigue siendo una parte muy importante de la cultura popular.

Por eso, aunque haya pasado bastante tiempo, no es de extrañar que Matrix haya sido una de las sagas revividas en esta fiebre de reboots y remakes en la que se encuentra sumergido el cine actual. Pero claro, una película tan profunda y compleja como Matrix no podía limitarse a ser una secuela más. Razón por la cual no extraña a nadie que esta nueva entrega haya resultado ser una secuela tan rebosante de ideas como divisiva en las opiniones generadas.

Analisis Matrix Resurrections explicación del final con Spoilers 1
Imagen de Matrix: Resurrections

La metanarrativa de Matrix: Resurrections

La película arranca con una breve secuencia de acción que imita, literal y explícitamente, el inicio de la original. Una repetición sobre la que los propios personajes reflexionan en voz alta preguntándose: “¿Por qué reutilizar código antiguo para crear algo nuevo?”. Cuestionándose su propia existencia, Matrix Resurrections deja claro desde el principio que se trata de una película que no debería existir, criticando la cultura del reboot desde dentro.

Más adelante nos encontramos a Keanu Reeves llevando una vida aparentemente normal como desarrollador de videojuegos. Algo que más adelante se nos revelará como un nuevo truco del “arquitecto” de Matrix para mantener controlado a Neo, el elegido. El resultado es una secuencia absolutamente brillante en la que, como supuesto desarrollador del videojuego Matrix, la película se volverá todavía más meta y autoconsciente para reflexionar sobre todo lo que supuso la trilogía original.

Lo más interesante de todo es como, en dicha reflexión, casi podemos ver a Lana Wachoski dialogar con su yo del pasado. Todos cambiamos y los autores no son menos. Y así, casi 20 años después, resulta fácil entender que ciertas opiniones no sean iguales. Por eso resulta tan enriquecedor encontrar esas nuevas reflexiones en las que parece estar enmendando aquellas opiniones de la original sobre las que ya no piensa de igual manera. Ya sea al criticar la excesiva simplicidad de reducir todo a una decisión entre 2 pastillas, o plantear un nuevo mundo en el que máquinas y humanos colaboran porque los bandos están más difuminados y no todo resulta tan extremo.

Así pues, poco después de reflexionar sobre su propia inutilidad por ser un reboot, la película nos ofrece en bandeja uno de los mejores ejemplos de por qué si que puede resultar útil el ejercicio de volver a revivir ciertas obras del pasado. ¿Era esta la razón por la que Lana decidió realizar esta 4ª entrega? La propia película nos responde cuando Keanu Reeves se ve obligado a realizar una 4ª entrega del videojuego contra su voluntad, al haber amenazado Warner con realizarlo igualmente sin él si se negaba. Más claro que el agua.

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Imagen de Matrix: Resurrections

Máquinas y humanos

Una vez es liberado de nuevo de Matrix, Neo se encuentra ante un nuevo mundo en el que han pasado 60 años. Ya no queda rastro de Sión, la ciudad que conoció en la trilogía original, pero si quedan algunas personas y recuerdos de lo que allí ocurrió en una nueva ciudad construida tras la caída de la primera. En esta nos encontramos a humanos conviviendo con algunos robots, intentando construir un mundo nuevo. Con fuentes de energía, comida cultivada y, en definitiva, más preocupados por construir un nuevo futuro escondidos de las máquinas de Matrix que por pelear contra ellas.

Pero, ¿por qué conviven humanos y máquinas? La respuesta está en el final de la trilogía original, en la cual Neo se sacrificaba para derrotar al agente Smith, quien se había convertido en un virus que había asolado la Matrix original por completo. Este sacrificio altruista fue interpretado por algunas máquinas de forma crística, convirtiendo a Neo en el mesías de una nueva religión que convenció a algunas máquinas de unirse a los humanos para formar un mundo mejor.

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Imagen de Matrix: Resurrections

La acción en Matrix: Resurrections

Ya desde el comienzo de la película, cuando reflexionan sobre lo que supuso la original, escuchamos a un personaje hablar de como Matrix es mucho más que acción vacía. Y es que es fácil olvidar que debajo de su marcada estética y su innovadora acción, había mucha profundidad en aquella película. Al contrario que el resto de películas del género que intentaron copiar su estilo superficial, pero sin tener ni una décima parte de su complejidad.

Más adelante, en la primera secuencia de acción tras escapar Neo de Matrix, vemos aparecer a Merovingio (personaje presentado en la segunda entrega de la saga) que no para de gritar durante la escena criticando que hoy en día todo es peor y que ya no se hacen escenas de acción como las de antes. Todo esto en una escena de acción que, efectivamente, resulta confusa, está mal rodada y está muy lejos de la calidad que tenía la saga original.

Al igual que la simulación de Matrix se ha renovado y adaptado a los nuevos tiempos, la acción que en ella se desarrolla también se ha adaptado a los nuevos tiempos. Matrix es un reflejo de la actualidad, tanto a nivel social como cinematográfico, por eso la acción que en ella se desarrolla es pobre y con un montaje caótico, como la que abunda en tantos blockbusters de hoy en día. Al contrario que en el programa de simulación que desarrollan los propios humanos, en el que vemos una escena de pelea homenajeando al combate de artes marciales entre Neo y Morfeo en la primera entrega,  y que resulta estar rodada de forma mucho más limpia y cercana al estilo original.

Sin embargo, que se trate de una reflexión y que hasta cierto punto se pueda considerar intencional no quita que más de la mitad del metraje de la película son escenas de acción pobres y confusas. La idea y la reflexión son geniales, pero para la próxima unos cuantos minutos habrían sido suficientes para mandar el mismo mensaje y nos habrían ahorrado algún que otro bostezo.

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Imagen de Matrix: Resurrections

La nueva Matrix

Neil Patrick Harris, quien aparece en principio como psicólogo de Neo, pronto se revela como El Arquitecto. Personaje que conocimos en la trilogía original y que resulta ser el responsable de programar Matrix. Él es quien nos explica los cambios realizados en esta nueva versión de Matrix, que no deja de ser una readaptación de Lana Wachoski para adaptar la metáfora original a los problemas que nos encontramos en sociedad hoy día.

Nos cuenta la razón por la que Neo y Trinity estaban encerrados tan juntos en esta nueva Matrix. Según nos dice, teniendo en cuenta que Matrix es una excusa para extraer energía de los seres humanos, se dio cuenta de que la conexión tan especial que tenían estos dos eran una gran fuente de energía. Juntos, como en la primera entrega, dieron lugar al elegido, una fuerza casi imparable capaz de acabar con Matrix. Pero si se les junta lo suficiente para que afloren los sentimientos entre ellos, pero no tanto como para que lleguen a juntarse realmente, el resultado es una gran fuente de energía. En palabras del propio arquitecto, los sentimientos resultan ser una fuente de energía mucho más poderosa que la lógica.

Una idea que se ajusta perfectamente a los cambios que nuestra sociedad ha sufrido desde comienzos de siglo. Si la primera Matrix era el reflejo de una sociedad dormida, controlada mediante la apatía que les hacía no actuar por pura desgana, en esta entrega nos encontramos con la fuerza de los sentimientos como reflejo de la posverdad. La nueva era en la que políticos de todo el mundo se han alzado apelando a los sentimientos por encima de la lógica, confiando en el error humano que nos lleva a creer aquellas cosas que coinciden con nuestra forma de pensar debido a los sentimientos que nos producen, en lugar de creer en base a los datos objetivos que se nos presenten.

La nueva Matrix es fiel reflejo de esta nueva oleada política y se muestra como un contraste absoluto con la apatía de la primera entrega. Lo que entonces era una sociedad dormida y desinteresada en la política, sumergida de lleno en el estado del bienestar, ahora es una sociedad a la que las sucesivas crisis han arrebatado aquel cómodo estilo de vida y que ha reaccionado ante esto con ira y miedo. Sentimientos frente a frialdad. Una sociedad más activa en política, pero que se mueve más por odio y miedo que por verdadera ilusión por mejorar. En definitiva, tal y como dice el arquitecto, una fuente de energía totalmente desbocada gracias al poder de los sentimientos.

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Imagen de Matrix: Resurrections

Neo y Trinity. El final de Matrix: Resurrections

Pero dentro de esta ola de negatividad, Matrix Resurrections nos ofrece un poco de optimismo. Y no son otros que Neo y Trinity los que nos la traen. Si en la primera Neo era el elegido sobre el que giraba todo, aquí vemos una vez más a Lana re elaborar sobre la original para añadirle nuevos matices. Ya no se trata de un solo elegido, sino de el poder de estos dos juntos.

Una idea que realmente no se aleja tanto de lo que decía la original. Al fin y al cabo, ya en la primera entrega, a través del oráculo, se reflexionaba mucho sobre la verdadera naturaleza del elegido. Y sobre si se trataba de una profecía real o simplemente, al ser Matrix un programa basado en la auto percepción, se trataba de una profecía autocumplida. Es decir, al igual que para saltar el edificio Neo solo necesitaba creer en que podía hacerlo, para ser el elegido Neo solo tenía que creer que podía serlo. Y esa creencia le nace, precisamente, al final de la primera entrega. Cuando Trinity le susurra al oído que él tiene que ser el elegido, porque el oráculo le dijo que ella se enamoraría del elegido, y ella estaba enamorada de él. Una frase que resulta el punto inicial del camino de Neo, todo gracias a Trinity y a, como ya hemos mencionado, el poder de los sentimientos.

De esta manera «Matrix Resurrections» cierra el círculo de una manera muy hermosa. Con la pareja que lo empezó todo 20 años atrás, saltando juntos al vacío. Con Trinity siendo en esta ocasión la elegida para violar las leyes de Matrix y volar para salvar a Neo, y con ambos surcando los cielos dispuestos a iniciar una revolución. “Has cometido el error de darnos esperanza”, le dicen al arquitecto. Y es verdad, porque una sociedad dormida es una sociedad incapaz de cambiar nada, pero al despertarnos para aprovechar nuestro odio nos han dado la esperanza de que, ahora si, podemos movernos para cambiar el mundo. Porque el odio se puede transformar en amor, la apatía en esperanza, y la sociedad puede volver a creer en que la revolución para librarnos de Matrix es posible. Que la revolución para cambiar el mundo es posible. Solo hay que creer, y perder el miedo a saltar.

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Imagen de Matrix: Resurrections

Eternals: Análisis y explicación del final con spoilers

Eternals se estrena como al primera película de Marvel suspensa en Rotten Tomatoes por la crítica, no así por el público que parece haber sido menos dura con la nueva apuesta de Disney. Además, es extraño que este fenómeno ocurra precisamente entre la crítica cuando es la ganadora del Oscar a mejor directora, la mismísima Chloé Zhao, la que se ha encargado de dar forma a la nueva legión de superhéroes. Pero opiniones a parte, lo que es evidente es que los Eternals han llegado para quedarse y serán determinantes en los próximos años de este Universo que, por otra parte, no parece que tenga una fecha de caducidad cercana.

¿Qué sucedía en Eternals?

Una y otra vez, y así desde los orígenes de la propia existencia, los Celestiales envían a sus propias creaciones, los Eternals, a nuevos planetas con la intención de ayudar al desarrollo de vida inteligente y así lograr crear un nuevo Celestial. Y una y otra vez los Eternals ayudan a destruir el planeta para que el propósito se cumpla. Sus mentes son borradas al finalizar cada misión con el objetivo de que no les queden secuelas piscológicas tras el exterminio. Pero es precisamente en esta misión, en la de la Tierra, en la que todo cambiará. Porque incluso viendo todos nuestros defectos como seres humanos, Los Eternos han sido capaces de amarnos, comprendernos y conectar con nosotros. Eso da lugar a que a la hora de ayudar a destruir la Tierra , decidan replantearse sus prioridades y acaben haciendo justamente lo contrario, dando una nueva oportunidad a la humanidad y evitando la llegada del nuevo Celestial al mundo.

Imagen de Eternals
Eternals cómic Vs película

Diez nuevos héroes, un nuevo desafío

Una de las mayores preocupaciones, sobre todo mirando el pasado de la saga, era presentar a diez nuevos superhéroes; teniendo a demás en cuenta que para los anteriores habíamos tenido una década para conocerlos. Pero esa es precisamente su mayor victoria, y es que a pesar de ser un conjunto de individuos muy diferentes, cada uno logra tener su propio desarrollo dentro de la película: nos hablan de su pasado, nos muestran su presente y nos encaminan hacia su futuro.

Y con pequeños detalles logramos entender la personalidad de cada uno de ellos y por qué actúan tal y como lo hacen. Incluso cuando se separan en dos facciones, hasta cuando se vuelven rivales, comprendemos las motivaciones que les llevan a luchar en uno u otro bando.

Otro de los puntos más reseñables de Eternals tiene que ver precisamente con contar con Chloé Zhao tras la cámara. Y se trata de lo cuidada que está, al menos estéticamente. No solo por las puestas de sol, que ya son marca de la casa y motivo de meme, sino por las localizaciones, los paisajes y el poder de sus imágenes, que hacen que al igual que los Eternals, te quedes ensimismado con la belleza de que ves en pantalla.

Imagen de Eternals
Imagen de Eternals

Los desviantes, el mayor enemigo del guion

Y quizás lo «peor» o más torpe sean la inclusión de los Desviantes, unos villanos que no saben encajar dentro de la dinámica del propio guion. Los Desviantes , al igual que los Eternals, son creaciones de los Celestiales, pero en este caso con el fin de devorar a los superdepredadores y así favorecer la vida en la Tierra. Son seres menos evolucionados intelectualmente cuya vida deja de ser prescindible al eliminar las amenazas para los seres humanos. Y justamente, al ser ellos el único superdepredador que quedan al final, acaban siendo eliminados por los Eternals.

La teoría se escapa al raciocinio, porque perfectamente podrían haber sido los propios Eternals los que eliminaran a los superdepredadores sin necesidad de esta cadena de mando extraña. Pero además hay un punto en el que quieren añadir una nueva reflexión a la trama: la de los Desviantes tomando consciencia y replanteándose su propia existencia. Un añadido que podían haber desarrollado, pero que acaba de forma abrupta en las manos de Angelina Jolie arrancándole la cabeza al líder.

Imagen de Eternals
Imagen de Eternals

Y por eso, en vez de hablar de grandes villanos o monstruos, es mejor que el tema se trate desde la propia perspectiva de los Eternals. Siendo la división entre ellos, unos para salvar a los humanos y otros para fomentar la llegada del Celestial, la cuestión más interesante de toda la película. Porque se logra demostrar que nuestras experiencias nos definen, nuestro pasado marca nuestro futuro y aquellos que han sido más cercanos a los humanos son los que en logran empatizar con nosotros y arriesgar su vida para salvarnos.

Por el otro lado, los que han sido más ajenos a la humanidad solo tienen como objetivo seguir la órdenes ciegamente en un acto de fe sin opción a duda. Dos caminos opuestos que se toman basándose en cómo han sido sus vivencias en la Tierra.

Escenas poscréditos de Eternals

Las escenas postcréditos nos ayudan a encarar el fututo, no solo de los Eternas, sino de la fase IV de Marvel en general. La primera tiene como protagonista a un personaje que hasta el momento no había parecido dentro de las películas: Eros, también conocido como Starfox, que además es el hermano de Thanos, y que curiosamente está interpretado por el cantante y actor Harry Styles. Es justamente en esta escena donde nos adelantan los propósitos para el futuro: seguir buscando Eternals en este y otros mundos para contarles la verdad de su existencia.

La segunda escena se centra en Dane Whitman (Kit Harrinton), que hasta ahora solo había sido el complemente romántico y un secundario poco aprovechado. Y lo vemos recogiendo la espada Ebony Blade mientras oímos un susurro diciendo «La muerte es mi recompensa» . Alguien le pregunta «¿Seguro que está listo para eso, Sr. Whitman?» y ahí acaba la escena.

Harry Styles en Eternals
Harry Styles en Eternals

Así es como Dane trae de nuevo al Caballero Negro, al igual que sus antepasados lo hicieran antes que él. Y es que blandiendo la espada logra protegerse de la muerte y acabar con todo el que se le ponga en su camino. Incluso en la película hablan de Excalibur como una novata comparada con la Ebony Blade. El problema es que la espada porta una maldición: cuanta más sangre derrama más peligroso se vuelve su portador, pues la espada alimenta a su dueño de ideas peligrosas. Por lo que tendremos que decubrir si en verdad Kit Harrinton se tratará de un héroe o un villano.

Un futuro prometedor

Eternals ha sido una película de orígenes. De diez orígenes para ser exactos. Por lo que todavía queda mucho camino por explorar a este grupo de héroes. Eso significa nuevas películas para ver cÓmo encajarán los Vengadores supervivientes y loe Eternals, si los Celestiales serán una verdadera amenaza para los humanos y sí los desviantes son realmente una especie extinta o todavía los veremos merodear en las siguientes entregas.

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Top 5 Seminci 2021: el cine europeo a la cabeza

Tras una semana en la Seminci, os dejamos con las mejores películas que han pasado por el Festival de Cine de Valladolid, un año con títulos muy potentes donde hemos podido ver a las ganadoras de León de Oro de Venecia, el premio del jurado en Cannes o incluso las nuevas películas de Paul Schrader y Ashar Farhadi.

1 THE WORST PERSON IN THE WORLD

¿De qué trata? Julia siempre ha tenido inquietudes y talento de sobra, pero nunca ha sabido centrar su energía en algo que le llene lo suficiente. Igual le pasa con las relaciones. Por eso a punto de llegar a los 30 sigue tan perdida como siempre, pero serán esos años de tránsito entre décadas los que aprovechará para pensar sobre su propia vida y reflexionar si en verdad lo que ha estado haciendo hasta ahora es avanzar o simplemente huir.

¿Por qué deberías verla? Porque es la coming age actual perfecta para replantearte tu propia vida. Y a pesar de su poso contundente de existencialismo y búsqueda vital, utiliza recursos cómicos para quitar dramatismo a algo que solo tiene la importancia que tú quieras darle. Además utiliza las relaciones amorosas como ejemplo del que extrapolar cada uno de los problemas de nuestra vida: el amor es una excusa y los amantes caminos que tomar o dejar atrás.

The worst person in the world
The worst person in the world

2 EL ACONTECIMIENTO

¿De qué trata? Son los años 60 en Francia, una joven universitaria se queda embarazada accidentalmente. A partir de que lo descubre intentará librarse del problema de todas las formas posibles para no perder la vida que ha soñado y por la que ha luchado. Pero tendrá que hacer frente a la prohibición del aborto y a una sociedad que la condena por solo pensarlo.

¿Por qué deberías verla? Porque vuelve a poner sobre la mesa la importancia de luchar por nuestras libertades; en este caso, el aborto. Lo hace de una forma tan cruda y visceral que vives en las propias carnes de la protagonista, y sientes su angustia a través de los días como una cuenta atrás. No se corta en destrozarte por dentro, porque mientras tu ves con horror el proceso por el que pasa semana a semana, fueron muchas los que lo vivieron en sus propias carnes.

El acontecimiento
El acontecimiento

3 COMPARTIMENTO N6

¿De qué trata? Una estudiante de antropología finlandesa viaja sola hasta el norte de Rusia para visitar una zona casi desértica. En el viaje compartirá cabina con un joven ruso, con el que a pesar de los prejuicios iniciales, acabará sintiendo una conexión especial que le cambiará sus propios estándares de vida.

¿Por qué deberías verla? Porque es un viaje de descubrimiento personal y transformación que consigue ser entrañable y tierno. Lo que en principio se presenta como una convivencia hostil entre dos desconocidos que tienen que compartir cabina de tren, acaba tornándose en una amistad preciosa, Además el tren no solo es un escenario, sino un personaje más donde las ideas preconcebidas se rompen para dejar paso a la claridad.

L
Compartimento N6

4 LIBERTAD

¿De qué trata? Es el paso de niña a adulta de una joven que empieza a descubrir el mundo en el que vive y al que pertenece. Pero el descubrimiento en este caso es sobre los privilegios, la meritocracia y la diferencia de clases. Una acertada visión de las divisiones sociales que con sutileza y elegancia nos hace un retrato de la injusta realidad en la que vivimos, donde estás encerrada en tu clase social desde el momento en el que naces hasta que mueres.

¿Por qué deber´´ias verla? La adolescencia no solo es época de despertar sexual y rebeldía, también es el momento en el que empieza a descubrir el mundo en muchos sentidos, y esta película te muestra otra cara del paso a la adultez. Una en la que descubres qué lugar en el mundo ocupas. Además lo hace a través de las relaciones de madres e hijas, pues entre ellas se ven reflejadas; unas mirando su futuro y otras recordando su pasado.

LIbertad
LIbertad

I AM YOUR MAN

¿De qué trata? Una arqueóloga, algo excéptica, decide formar parte de un proyecto científico en el que tendrá que valorar hasta qué punto son éticos los nuevos robots, diseñados mediante complejos algoritmos, para ser la pareja perfecta. El problema es que a medida que interactúa con su nuevo compañero electrónico irá descubriendo cosas de ella misma que desconocía.

¿Por qué deberías verla? Consigue olvidarse del cliché existencialista de qué es vida y no, para finalmente centrarse en ella, en el ser humano. I am your man habla de cómo a veces nos reconocemos a través de los demás, siendo curiosamente los otros los que rescatan partes que habíamos olvidado de nosotros mismos, o incluso, que habíamos decidido enterrar como protección emocional. Además logra ser ligera y cómica gracias a los momentos más surrealistas de nuestro robot favorito, Dan Stevens.

I am your man
I am your man
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Análisis de «Un lugar tranquilo 2» [Explicación del final con spoilers]

Analisis un lugar tranquilo 2 explicacion del final con spoilers 1

Tras el éxito de la primera entrega, resultaba inevitable que la secuela de “Un lugar tranquilo” llegara a nuestras salas. La segunda entrega, que seguramente no sea la última, retoma los acontecimientos donde la anterior nos dejó, para seguir explorando el mismo planteamiento de la primera. Por suerte, la idea tiene tanto jugo que, al menos por ahora, sigue siendo suficiente para mantenernos atentos durante todo el metraje.

Analisis un lugar tranquilo 2 explicacion del final con spoilers 1
Análisis «Un lugar tranquilo 2», ya disponible en cines

Recordando la primera entrega

Antes de sumergirnos en la segunda no está de más recordar brevemente los acontecimientos de la primera. Nos encontramos en un panorama post-apocalíptico provocado por la llegada a la tierra de unas misteriosas criaturas (momento que no vimos en su día, pero si vemos en esta segunda entrega en forma de flashback). Unos depredadores que se guían por el sonido y que han obligado a la humanidad a vivir en el más absoluto de los silencios.

Seguimos la historia de una familia. Una pareja con tres hijos, que pasarán a ser dos tras cargarse uno de los bichos a un chiquillo antes de que nos de tiempo a empezar las palomitas. 

El mayor conflicto viene por el embarazo de la madre. Porque, como resulta obvio, un recién nacido no es demasiado compatible con un mundo en el que el ruido equivale a la muerte. Durante meses se prepararán para ese momento. Un sótano insonorizado, bombonas de oxigeno para encerrar al bebe sin peligro y que no se le oiga, y todo un sistema de vigilancia alrededor de la casa.

Pero claro, los planes no siempre salen como queremos. Y en mitad del parte se producirá un asalto a la casa que terminará con el padre sacrificándose para salvar a su familia. La película acaba con el descubrimiento de que el implante coclear de la hija emite a una frecuencia que debilita a las criaturas, lo que les permitirá salvar la situación y cerrar con esperanzas en un futuro mejor.

Analisis un lugar tranquilo 2 explicacion del final con spoilers 2
Cuando tu madre te llama y tu haces un repaso mental de todas las cosas que has podido hacer mal

Expandiendo el universo

La segunda entrega retoma exactamente donde lo dejó la primera. Toda una declaración de intenciones sobre lo que pretende, pues se trata de una propuesta totalmente continuista con su primera entrega. Una apuesta segura, pues la fórmula todavía no estaba agotada, pero que le hace perder esa frescura que hizo tan especial a la primera.

En parte, porque los nuevos añadidos que presenta no terminan de funcionar del todo bien. Al contrario que esa primera entrega, en la que se notaba un gran trabajo de reflexión para reflejar un mundo que encaje y tenga sentido, aquí nos encontramos algunas decisiones más perezosas que no encajan tanto en el universo, y que parecen obedecer más a clichés del género post-apocalíptico que a un verdadero desarrollo del mundo.

El caso más obvio seguramente sea el grupo de saqueadores que les asalta. Gente herrante, vestida de forma extraña, y que podrían haber sido sacados de cualquier otra película de temática similar. Pero que sin embargo no tienen el más mínimo sentido en este universo. Al fin y al cabo ¿qué sentido tiene asaltar a otra gente en un mundo en el que, con un simple grito, acabaríais todos muertos? Y más aún ¿Qué sentido tiene llenar a tu enemigo de cascabeles en un mundo en el que, si suenan, la vais a palmar todos?

Resultan desarrollos perezosos que chocan con esa primera entrega, a la que se le notaba más mimo y más trabajo en todas sus ideas. Y, teniendo en cuenta que son varias las secuelas que tienen pensado hacer, resulta evidente la acusación de “secuelitis” que empapa toda la película.

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«calla, que está sonando mi canción»

¿Ya se ha acabado?

Más de uno, yo incluido, se haría esa pregunta al ver el final de la película. Un final que cuesta clasificar siquiera como final abierto, pues más que abierto resulta excesivamente abrupto.

El cierre de personajes resulta satisfactorio, con ambos niños dando un paso adelante, asumiendo su responsabilidad como un adulto más en un mundo que no deja espacio a la infancia de nadie. Culminando el acto de estos dos personajes y dándoles un cierre, por ahora al menos, satisfactorio.

Pero en global resulta un cierra algo apresurado. Al contrario de la primera, que tenía un poderoso climax que cerraba con una escena posterior de resolución, aquí la película corta inmediatamente tras dicho climax. Está claro que, en esta ocasión, sabían perfectamente que una secuela vendría posteriormente. Lo que permitió este final que parece más propio de un capítulo de una serie que de una película propiamente dicha.

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Mi peor pesadilla ¿el apocalípsis? No, tener un bebé.

Aguantando la respiración

Sin embargo, pese a esa falta de frescura, lo que resulta obvio por encima de cualquier otro análisis posible es que “Un lugar tranquilo 2” funciona. Y es que la premisa resulta tan buena, que es todo un caramelito para cualquier director decente que la coja. Y en este caso, John Krasinski la sabe aprovechar tan bien como lo hizo en la primera entrega. 

Cada paso, cada objeto que aparece en plano y cada movimiento que veamos nos seguirá haciendo agarrarnos a la butaca como en la primera entrega. Y cada ruido nos seguirá helando la sangre igual que la anterior. No son pocas las escenas que nos harán pasar un mal rato y, aunque quizás baje el ritmo en algunos tramos, se disfruta de principio a fin sin el más mínimo problema.

Dicen que si algo no está roto, mejor no arreglarlo. Un lema que bien podrían haber escrito en la primera página del guion de “Un lugar tranquilo 2”. Y si, la falta de frescura la deja claramente por debajo de la primera. Pero, tras tanto tiempo de pandemia, menuda alegría da volver a juntarnos en una sala de cine para, nerviosos, mandar a callar a la pantalla de la forma más estúpida. Deseando con todas nuestras fuerzas que esos personajes pudieran escuchar nuestros sonoros “shhhhhhhhh!”.

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Shhhh, no le digáis a Nolan que estoy rodando películas sin él

Análisis de «Soul» [Explicación del final con spoilers]

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Una vez más la Pixar más profunda ha vuelto para, una vez más, juntar como nadie más logra las reflexiones existenciales con las aventuras para niños. “Soul” nos presenta un original mundo de las almas en el que, antes de nacer, se nos otorga esa “chispa” que nos proporcionará una pasión para seguir en la vida. Una premisa que puede parecer muy naive si nos quedamos con lo superficial, pero que descubriremos que resulta ser todo lo contrario si la analizamos como se merece.

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Análisis de Soul, disponible en Disney+

Historia

Joe es un profesor de música y pianista de jazz frustrado al que se le presenta una oportunidad única de cumplir su sueño. Tras presentarse a la audición, logrará ganarse un puesto en la banda, pero ensimismado en su propia felicidad no presta atención a la calle y termina por sufrir un fatal accidente.

Tras esto aparecerá en el mundo de las almas, lugar de paso antes de ir al más allá. Pero, frustrado por el inoportuno momento de su muerte, decide saltarse las normas y hacer lo posible para volver a la tierra y poder terminar de ver cumplido su sueño. Para ello se hará pasar por uno de los “tutores” encargados de hacer descubrir la chispa a las nuevas almas.

Ahí conocerá a 22, un alma problemática que no quiere ir bajo ningún concepto a la tierra. Durante años ha pasado por el tutelaje de algunos de los más importantes personajes históricos de toda la humanidad, pero ninguno de ellos ha logrado hacerle descubrir esa chispa. De ahí que llegue a un acuerdo por el cual Joe recibirá el pase para volver a la tierra a cumplir su suelo y 22 podrá verse libre de esa lista interminable de tutorías, para vivir siempre como un alma.

Sin embargo, en el proceso, 22 viajará a la tierra y descubrirá multitud de cosas en ella que le apasionarán. Cosas mundanas, alejadas de las grandilocuentes ideas que se nos vienen a la cabeza al pensar en nuestro propósito. Lo cual generará un conflicto con Joe, al no entender este su pasión por cosas tan mundanas, pero que en última instancia le hará descubrir que la verdadera esencia de la vida está en esas pequeñas cosas. El tutor, convertido en alumno.

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«¿me llevas al Salpicamás? ¿me llevas al Salpicamás? ¿me llevas al Salpicamás? ¿me llevas al Salpicamás?»

Buscando la chispa

No se puede negar que en un primer momento “Soul” puede dar una idea equivocada con la idea de la “chispa”. Esa manera en la que parece querer dar un sentido a la vida en base a una pasión, a un deseo, suena al clásico discurso manido sobre perseguir tus sueños como objetivo único en la vida. Suena a “si quieres, puedes”, “cuando deseas algo de verdad el universo entero conspira contra ti”, “sonríele a la vida y la vida te devolverá la sonrisa” y demás gilipolleces de autoayuda con las que vender muchas tazas pero arreglar pocas vidas.

Nada más lejos de la realidad. El verdadero giro de la película, y lo que la hace tan interesante, es subvertir dicho discurso para vendernos exactamente lo opuesto. Nuestro protagonista, obsesionado por el éxito, termina por convertir su pasión en una frustración que le impide disfrutar el resto de cosas de su vida.

Por eso, cuando por fin cumple su sueño, le embarga la decepción al descubrir que nada ha cambiado realmente en su interior. Extrañado, le pregunta a la cantante, quien le responde con una historia. Una historia sobre un pez que buscaba el océano, y al que, cuando le decían que ya estaba en él, respondía “esto es solo agua, yo quiero EL OCÉANO”. Una metáfora perfecta de cómo la búsqueda del éxito nos impide apreciar nuestra verdadera pasión. Porque si tu pasión es la música, la disfrutas en cualquier forma. El jazz es jazz, ya sea en un concierto o en una clase del colegio, al igual que el agua es agua, aunque este en el océano.

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«Ese pez era muy tonto, pero al menos era un pez ¿Cuál es tu excusa?»

Ansiedad y depresión

La otra cara de esta moneda está en estas enfermedades mentales. Las cuales vemos reflejadas a la perfección en esa “oscuridad” en la que se transforma 22. Momento en el cual pierde totalmente su esencia y se transforma en un alma perdida. Ha vivido años sin esa “chispa” sin que le supusiera un problema. Pero cuando por fin la encuentra, solo para escuchar que es una tontería sin importancia ni valor, cuando se ve sumergido en esa depresión.

Vemos entonces todos esos años de mal tutelaje. Todas las expectativas erróneamente depositadas en él. La presión de decenas de tutores, figuras históricas de gran renombre y éxito, que le gritan que es un inútil sin valor. De igual manera que, a diario, la sociedad nos grita que debemos aspirar al éxito, y a conseguir cumplir ciertas etapas vitales. Midiendo nuestro valor por cuántas de esas supuestas metas hemos conseguido y no por lo que somos realmente.

Esa presión externa por alcanzar un objetivo que ni siquiera es nuestro, por medir el éxito en función a cómo nos perciben los demás y no lo que queremos nosotros. Resulta ser algo terrible y con lo que, en mayor o menor medida, todos nos sentimos identificados.

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«¿Ves eso de ahí? Eso es un lunes por la mañana»

El propósito es cosa de idiotas

Mi escena favorita de la película, y la que mejor define mi forma de ver la vida, se produce cuando Joe va a hablar con el vigilante de la zona de las almas para hablar sobre la chispa, entendida como propósito en la vida.

La respuesta es una simple risa, una burla ante la obsesión de los tutores (la sociedad) por confundir la “chispa” con el “propósito” de la vida. Mofándose de esa búsqueda constante del propósito cuando él, que entiende a la perfección el alma humana, sabe que nada de eso existe. No hay nada de esas grandilocuencia ni pretenciosidad que tanto empapa nuestros discursos existenciales

En nuestro afán por otorgarle una explicación a nuestra existencia, hemos acabado por crear una presión sobre nosotros mismos al suponer que la vida debe ser algo grande y lleno de significado. Cuando en realidad la vida, la chispa, es algo mucho más simple, absurdo y carente de significado. Somos más pequeños que todo eso. Un pensamiento que, por contradictorio que parezca, resulta liberador. 

Porque no, ni el universo va a conspirar para que consigas una mierda, ni la vida te va a sonreír. Así que olvida las metas, olvida el éxito y olvida las expectativas que los demás tienen de ti. ¿Quién quiere metas teniendo pizza?

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Pizza que no engorda, el auténtico secreto de la felicidad

Analisis de «Tenet» [Explicación del final con spoilers]

Analisis Tenet explicacion del final con spoilers 1

La obsesión de Christopher Nolan por juguetear con el tiempo en sus películas no resulta una sorpresa para nadie. La última prueba de ellos ha sido “Tenet”, una original propuesta de viajes en el tiempo en la que, a diferencia de otras películas de la misma temática, el salto temporal no es instantáneo, sino que supone tener que viajar “marcha atrás” en el tiempo hasta el momento deseado. Cruzando historias que van hacia atrás y hacia adelante, tal y como sugiere el juego de palabras con los palíndromos que hace en el nombre.

Analisis Tenet explicacion del final con spoilers 1
Tenet, la última película de Christopher Nolan

La máquina de Tenet

Durante el primer tramo de la película nos encontramos ante una trama de espías en la que no llegamos a entender muy bien qué está pasando. No es hasta cerca de la mitad del metraje que aparece la máquina de Tenet, en esa escena con los dos equipos separados por un cristal en la que se nos explica el funcionamiento de la misma.

El funcionamiento de la máquina es más sencillo de lo que puede parecer. Básicamente cuando una persona se introduce en ella su entropía se revierte (lo cual es una excusa para usar el término entropía y que suene científico, más que nada), lo que significa que el tiempo cambia de dirección. Dicho de otra forma, si en tu estado normal miras un reloj durante una hora verás las agujas girar en sentido horario desde las 6:00 hasta las 7:00. Si te introduces en la máquina, y al salir miras el reloj durante una hora, verás las agujas girar en sentido antihorario desde las 7:00 hasta las 6:00.

El único requisito es que mientras estés yendo hacia atrás temporalmente necesitarás una botella de oxígeno para respirar, algo que en el fondo no deja de ser un truco cinematográfico para hacer más fácil al espectador seguir la pista de hacia donde está viajando temporalmente en cada momento un personaje. Si lleva un respirador, está yendo hacia atrás. Simple.

Lo que implica esto es que al coincidir dos personas en estados distintos, es decir, una para la que el tiempo avanza de manera normal y otra invertida, cada uno verá al otro “del revés”. Lo que da sentido a esas escenas de acción del principio en las que aparecían unos soldados peleando “marcha atrás”. Lo cual no es más que alguien recién salido de la máquina de Tenet y que, por tanto, se mueve hacia atrás porque está viviendo el tiempo de forma invertida.

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La cara de John David Washington intentando entender el guion por primera vez

Salvar a la humanidad

Una vez entendido el funcionamiento podemos pasar a explicar el conflicto principal de la película. Se trata de una guerra entre la gente del presente y la gente del futuro. Un futuro apocalíptico en el que se supone que la humanidad ha agotado todos los recursos disponibles y se enfrenta a su propia extinción. Por lo tanto, su única opción de sobrevivir consiste en aprovechar la nueva tecnología de viaje temporal para ir hacia atrás en el tiempo, hacia una época en la que todavía había recursos. 

Para ello recurrirán a un artefacto cuyas piezas forman un algoritmo capaz de revertir el tiempo, igual que la máquina de Tenet, pero de manera global. Permitiéndoles salvarse de la extinción viviendo hacia atrás a costa de eliminarnos a todos nosotros en el proceso.

Andrei Sator, el villano maravillosamente interpretado por Kenneth Branagh, será el encargado de llevar a cabo el plan. Tras haber sido contactado por la “gente del futuro” mediante objetos que enterraron “invertidos”, de forma que pudieran ir viajando hacia atrás en el tiempo mientras estaban enterrados, hasta que él los encontrase en el presente. Como si fuera una momia que encontrásemos enterrada en una pirámide solo que, en lugar de venir del pasado, viniera del futuro gracias a la tecnología temporal de la máquina de Tenet.

Andrei Sator fue sobornado por esta gente del futuro para ayudarles a cumplir su plan. El trato es que podrá ser rico y poderoso gracias a lo que le proporcionan y, a cambio, deberá asegurarse de que el artefacto con el algoritmo llegará al futuro. Para ello recurre a un interruptor de hombre muerto. El cual se activará en el momento de su muerte, sepultando el artefacto bajo tierra y asegurando con ello que llegará intacto hasta que pueda ser desenterrado y utilizado por la gente del futuro.

Por el otro lado el protagonista, John David Washington, junto a Robert Pattinson y el resto de aliados, serán los encargados de evitar que sea enterrado y llegue al futuro. En su lugar su plan será robar el artefacto, separar las piezas y esconderlas por el mundo para que nadie pueda llegar a juntarlas nunca.

Toda la película es una ida y venida de misiones, traiciones y alianzas para preparar el terreno hasta la gran batalla final. Esa escena de guerra en la que se decidirá el futuro de nuestra raza: si ganarán ellos o lo lograremos nosotros.

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– «Te compras un cubo de estos que tiene como 3 huecos y ahí separas la basura, que no es tan difícil macho»

La guerra

La batalla de la secuencia final es, posiblemente, la parte más liosa de toda la película. Es difícil explicar todo lo que ocurre en cada una de las escenas, pero si podemos explicar un par de conceptos que ayuden a entender fácilmente qué sucede en ella y cual es el resultado final.

Se trata de un choque entre dos ejércitos en el lugar en el que se va a enterrar el artefacto. Unos buscarán proteger la zona hasta que se complete la operación y sea sepultado para siempre, mientras que los otros buscarán evitarlo. Para ello, el bando de los protagonistas usará una táctica que llaman “pinza temporal”.

La táctica consiste en utilizar dos grupos de soldados. Uno de estos grupos irá con el tiempo “invertido” recorriendo la batalla desde el final de la misma hasta el principio. De esta forma, cuando lleguen al principio, como habrán vivido la batalla entera, les podrán decir a los del otro grupo qué ha ocurrido. Proporcionándoles una información valiosa para asegurar el éxito de la misión.

Vamos a simplificarlo un poco. Imagina que tienes un examen y un compañero de clase quiere ayudarte a aprobar. Para ello, tu compañero se introduce en la máquina de Tener el día siguiente al examen, invirtiendo su forma de ver el tiempo, y empieza a viajar hacia atrás. Va a clase, al examen, y copia todas las preguntas. Tras esto sigue viajando atrás hasta al comienzo del examen, dónde se encuentra contigo y te entrega las preguntas.

Desde su punto de vista el ha esperado un día, luego ha vivido el examen de fin a principio, y luego te ha dado las preguntas. Mientras que desde tu punto de vista el ha aparecido antes de empezar el examen para darte las preguntas, y posteriormente has vivido el examen de principio a fin. De igual manera, en la batalla, un grupo de soldado ha vivido la batalla a fin a principio y luego les ha dicho a los otros donde estaba el enemigo. El otro grupo ha visto cómo aparecían los soldados, les daban la información del enemigo, y luego han vivido la batalla de principio a fin para vencer gracias a la información obtenida.

Todo esto para permitir a John David Washington y Robert Pattinson, nuestros protagonistas, llegar hasta el punto clave en el que el artefacto iba a ser enterrado y poder robarlo. Escapar con él, y dividirlo en 3 partes para evitar que caiga en malas manos en el futuro.

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#Holiday # EnjoyLife #Mindfulness #BruumBruuum

¿Es Robert Pattinson el hijo?

Se trata de una de las preguntas que más ha ido circulando desde el estreno ¿Es el personaje de Robert Pattinson el hijo de Elisabeth Debicki que ha vuelto desde el futuro? Hay unos planos de la mochila de ambos que pueden interpretarse de esa forma. Nolan acostumbra a incluir ciertos giros o preguntas que deja abiertas, como la famosa peonza de Origen. En ocasiones, alguna escena de la propia película esconde la respuesta a la pregunta. De momento no parece que haya ninguna escena que así lo haga, así que nos basaremos en lo que dicta nuestra lógica para darle respuesta.

El hijo se trata de un niño pequeño, pongamos de unos 10 años. En ese mismo momento, en el presente, Robert Pattinson se trata ya de un adulto, pongamos de unos 30 años para facilitar las cuentas. Por como funciona la máquina de Tenet sabemos que uno se mueve hacia atrás a la misma velocidad a la que va adelante. Por tanto, para poder coincidir su versión de 10 años y su versión de 30 en el mismo instante, significa que durante esos 20 años de diferencia ha pasado la misma cantidad de tiempo avanzando que retrocediendo. 

Es decir, que habría tenido que pasar 10 años con el tiempo avanzando de forma normal y otros 10 con el tiempo de forma invertida. No es imposible, pero teniendo en cuenta los requerimientos de oxígeno y similares, cuesta pensar en que alguien pudiera pasar tanto tiempo yendo hacia atrás. Por no hablar de que no habría ningún motivo para reclutar a ese niño y no a cualquier otra persona.

Igual en un futuro se descubre alguna otra escena que confirma la teoría, pero a día de hoy, y entendiendo cómo funcionan los viajes temporales en este universo, es una teoría que resulta difícil de encajar. La explicación más sencilla es que, tal y como Robert Pattinson le dice en un momento, él solo es alguien a quien John David Washington reclutó en el futuro. Así, su relación se convertiría en un original guiño a los palíndromos que dan nombre a la película. 

John David Washington reclutó a Robert Pattinson en el futuro, una vez acabada la misión, y le hizo viajar al pasado para ayudarle. De esta forma, para Pattinson la relación de amistad empezaría en el futuro, el primer momento en el que conoció a Washington. Mientras que para Washington este sería el final de su relación, pues a partir de entonces Pattinson tendría que viajar al pasado y ya no volvería a verle (pues muere durante la batalla). Comienzo y final unidos, como en un palíndromo, completando una de esa clase de juegos que tanto gustan a Nolan.

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Ojalá tener ese pelazo

Conclusión

Tenet ha sido una de las películas de Nolan que peor ha recibido el público. Algunos la tachaban de galimatías inentendible mientras otros simplemente decían que era aburrida. No hay duda que se trata de una película compleja e irregular, pero me gustaría cerrar este análisis rompiendo una lanza a su favor.

En Tenet conviven 2 películas. Una película de espías y otra de ciencia ficción. Es cierto que la de espías termina lastrando el conjunto. Resulta ser mucho más mediocre, en parte por la falta de carisma de John David Washington (¡qué distinta habría sido esa parte con un DiCaprio como el de Origen!), y en parte porque Nolan no destaca a su hora de crear diálogos ni personajes, especialmente cuando intenta darles un tono socarrón.

Sin embargo, creo que la parte de ciencia ficción sí resulta mucho más satisfactoria. Si logras llegar hasta ella sin desconectar de la película te encontrarás con una premisa de lo más original. Puede parecer exagerado, pero con lo manido que está el tema de los viajes en el tiempo resulta digno de elogio encontrar una nueva forma de afrontar esta temática. Y aunque no de tiempo a desarrollar algunos temas tanto como nos gustaría, no por ello dejan de resultar interesantísimas muchas de sus ideas. Desde la “pinza temporal” hasta las espectaculares escenas invertidas. Y, por encima de todo, la idea de la raza humana luchando contra sí misma desde dos épocas distintas por el derecho a sobrevivir. Una metáfora perfecta de cómo el expolio de los recursos naturales del planeta no es más que una guerra contra nosotros mismos, pues somos nosotros los principales perjudicados por su agotamiento.

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Imagen promocional de Tenet

CRÓNICA 68 FESTIVAL DE SAN SEBASTIAN. (2)

Ya podemos dar por finalizada prácticamente la 68ª edición del Festival de San Sebastián. Incluso ya ha sido revelada la película sorpresa de este año, el documental filmado por Abel Ferrara durante el confinamiento, Sportin Life, con presentación del director de Teniento corrupto. Tras su paso por el Festival de Venecia la película de Abel Ferrara promete ser una crónica anárquica y necesaria fiel a los tiempos que vivimos. Así, solo faltan las sorpresas del Palmarés.

Este año la Concha de oro corre a cargo de un jurado presidio por Luca Guadagnino. El director de Call me by your name, que ha presentado en Donosti la miniserie We Are Who We Are, deberá decidir la mejor película junto al actor Joe Alwyn; la productora de Mediapro Marisa Fernández Armenteros, que ha trabajado con Fernando León de Aranoa, Isabel Coixet y Javier Fresser; el director mexicano Michel Franco, que este año presentó la perla Nuevo Orden, y la diseñadora de vestuario de Ken Loach, Javier Rebollo y Víctor García León, Lena Mossum.

A eso vamos, pues, a la Sección Oficial. Una sección que ha estado extremadamente marcada por las películas con el Sello Cannes, cuya edición de 2020 hubo de cancelarse a causa del SARS-Cov-2. Passion simple, In the Dusk, True Mothers, Verano del 85, Druk y Beniginning llegaron del festival francés. De algunas de ellas ya hemos hablado. Entre el resto de películas hubo una fuerte apuesta por el cine asiático (Any Crybabies Around? y Wuhai se suman a la película de Naomi Kawase) y una significativa ausencia de películas españolas acompañando a Akelarre y a la excelente Courtroom 3H. Por primera vez no se habrá visto en San Sebastián la película española del año. Algo lógico, pues la mayoría de las producciones que deberían haber concursado en San Sebastián, principalmente las nacionales (quien esto escribe estaba deseando ver lo nuevo de Manuel Martín Cuenca), tuvieron que postergarse.

Imagen de ‘True Mothers’

A estas películas a concurso hay que sumar el reportaje musical sobre el líder de The Pogues producido por Johnny Depp, y que a pesar del buen rato que la música de Shane MacGowan hace pasar no debería haberse programado jamás a competición; el drama indie Supernova, que retoma la línea de programación entre la contención y el azúcar que el año pasado representaba Y llovieron pájaros; y la muy especial y sutil película argentina Nosotros nunca moriremos.

Es en las películas con el sello Cannes que encontramos las dos películas favoritas de esta edición. Ambas polémicas. Ambas polarizaron al público. ¿Es Druk una apología al alcoholismo o una crítica? Más bien habría que decir que Thomas Vinterberg problematiza la cuestión antes que dar respuestas fáciles en estos tiempos de polarizaciones tribales en redes. Aún más divide Beginning, el debut en largometraje de Dea Kulumbegashvili.

BEGGINING

Apunten ese nombre; para bien (o para mal) parece destinado a convertirse en un habitual de festivales. Su cine está hecho para ello: planos fijos y amplios, muy bien compuestos, poéticos (incluso cuando retratan una violación), de resonancias bíblicas, sostenidos más tiempo de lo soportable. La historia: la esposa de un líder en la comunidad de Testigos de Jehová de una provincia georgiana sufre el acoso sexual y las agresiones de un hombre que dice ser policía.

No es una película fácil. Ni de disfrutar, ni de comprender en sus eclécticas (¿gratuitas?) referencias bíblicas y simbólicas, pero tampoco de desestimar. La han caracterizado como una mezcla entre Tarkovski y Haneke, y no se me ocurre mejor definición. De Tarkovski por al mantener los planos, con esos encuadres tan compuestos, la directora los trasciende alcanzando otra cosa, pero que en este caso tiene más que ver con la violencia que con el deseo o el espíritu.

Imagen de ‘Beggining’

Aquí es donde entra Haneke: se trata de una película cruel pero, al contrario que el director austriaco, Dea Kulumbegashvili no está interesada en examinar con un bisturí las tensiones religiosas y de género de su sociedad, ni de plantear un experimento donde los personajes son marionetas, sino que emplea su estilizado y abstracto dispositivo para distanciarse de los personajes y de la acción (apenas sabemos de la protagonista más que su condición de víctima; no hay simpatía posible en la puesta en escena) al tiempo que reproduce mediante shocks y tensiones cocidas a fuego lento los mecanismo de la agresión sexual. Un equilibrio entre el morbo y la abstracción que parece querer reproduce exclusivamente el daño y el proceso de victimización.

PASSION SIMPLE

Para quien esto escribe es aún más transgresora y brillante Passion Simple. Una historia, como su título indica, simple. Trata de una mujer que descuida su trabajo y su hijo por una pasión loca y sin sentido hacia un hombre casado, un ruso abierto defensor de Putin que impone sus normas a la protagonista. En esta simplicidad, mucho más compleja de lo que parece (la protagonista ama la pasión antes que a la persona), encuentra la directora Danielle Arbid el núcleo de una puesta en escena centrada en el deseo, tanto cuando estalla en los encuentros sexuales como cuando se manifiesta en una espera obsesiva.

Imagen de ‘Passion Simple’

Una puesta en escena que, salvando las distancias, recuerda a la Claire Dennis de Viernes noche. Y aún hay un par de capas más: el uso irónico (o kitsch) de las baladas románticas de Gilbert Bécaud, Marino Marini o Leonard Cohen; o la pregunta que se enuncia directamente en la película aunque aplicada a otro personaje. ¿Qué es lo que juzgamos: el deseo de una mujer o que abandone sus roles como madre y trabajadora?

Courtroom 3H

Para terminar, una mención especial a Courtroom 3H. Tal vez lo mejor que uno ha visto este año en el festival. Pero eso merece tener su artículo propio, uno dedicado a lo mejor de esta 68ª edición, tan especial, del Festival de San Sebastián.

Crónica 68 Festival de San Sebastián. (1)

Secciones aligeradas, aforos reducidos, todos con mascarilla y marcando las distancias. Sales del cine y no te encuentras a tres, cuatro, siete conocidos con que comentar lo que acabas de ver, la asistencia se ha reducido drásticamente. La 68 edición del festival de San Sebastián en este 2020 del coronavirus es excepcional por muchos motivos. Sobre todo por el sentido de responsabilidad del festival en dos frentes: la seguridad de los asistentes y el apoyo a una industria cultural abandonada su suerte y la supervivencia de los más fuertes.

En estos tres primeros días hay alegrías (Along the sea y Slow singing auguran una excelente sección New Directors; François Ozon ha presentado en Sección Oficial la que tal vez sea su  mejor película) y algunas decepciones (Rifkin’s Festival es un mal anuncio de viajes), pero hay que aplaudir por encima de todo la excelente organización de todo el equipo, desde la dirección a los asistentes de salas, del Festival de San Sebastián. Y ahora, hablemos de cine.

RIFKIN’S FESTIVAL

La inauguración de la Sección Oficial por la última película de Woody Allen era obligada. Rifkin’s Festival se filmó el año pasado en San Sebastián coincidiendo con la anterior edición del festival. Y va de eso: de festivales de cine. La película en sí es un festival que incluye homenajes-parodias a Ingmar Bergman, Luis Buñuel, Federico Fellini, François Truffaut y Jean-Luc Godard. Aunque, bueno, por encima de todo es una película de Woody Allen, así que en realidad consiste en la voz en off de una persona en psicoanálisis y un affaire sentimental en un matrimonio. Él, el intelectual (Wallace Shawn) que se enamora de una sencilla y bohemia médico donostiarra interpretada por Elena Anaya. Ella (Gina Gershon), que babea por un pretencioso director francés interpretado por Louis Garrel. También es una película de Vittorio Storaro, así que imaginaros un San Sebastián donde nunca llueve y hay luces de atardecer incluso dentro de los cafés. Lo que no hay son nubes, euskera o un sentimiento auténtico, tampoco nada que remita de verdad a la hermosa ciudad o el ambiente del festival.

VERANO DEL 85

Rifkin’s festival no compite en la Sección Oficial, las que sí compiten son Verano del 85 y Druk. La película de Vinterberg aun no la hemos visto, aunque promete ser otra película dedicada a problematizar una espinosa cuestión social (el alcoholismo, su romantización y su función social). Está arrasando. Verano del 85 es, para quien esto escribe, la mejor película de Ozon. Como es habitual en el director francés el guión es excesivo y nunca estás seguro de qué trata: el marco de una metaficción (¿es real lo que vemos o un invento del protagonista?), una intimidad repentina y desestabilizadora, un romance homosexual, una coming of age, una amistad intensísima y fatal en verano a lo El talento de Mr Ripley, un crimen… En realidad Ozon está mezclando los ingredientes habituales de todas sus películas, que reaparecen incluso en guiones adaptados como este, basado en la novela Dance on My Grave, de Aidan Chambers. Pero esta vez le sale más ambigua y turbiamente luminosa que nunca.

NOMADLAND

Entre las Perlas, muchos estábamos esperando las dos joyas de la reciente edición del festival de Venecia. Nomadland, León de oro en Venecia, ha confirmado el talento de la directora de The Rider. Pero esta película, que cuenta a cambio con la carismática Frances McDormand y un mayor presupuesto, no está tan atenta como entonces a las historias que recoge, esta vez las de otros nómadas –interpretados por ellos mismos- que viven en la carretera. Lo que prima es el drama indie de una mujer que no supera el duelo por su difunto esposa, la fotografía de los bellos e inmensos paisajes americanos y el piano azucarado de Ludovico Einaudi.

LA MUJER DEL ESPÍA

Por su parte, La mujer del espía, premio allí al mejor director para Kiyoshi Kurosawa, se adentra en uno de los grandes tabúes japoneses. Y esta vez no hablamos de mostrar los sentimientos. La nueva película de Kurosawa trata de frente el apenas reconocido Holocausto asiático, cometido por el Imperio japonés durante la II Guerra Mundial.  Es un film excelente. Entre el estilo clásico que pide un film de época, la intriga a fuego lento del género de espías y los giros de guión de una telenovela. Pocas veces una película de corte tan clásico es en lo subterronáneo tan moderna y desconcertante.

Y aún queda mucho festival por delante.

– CRÓNICA DE ALBERTO HERNANDO –

Análisis ‘HOGAR’ de Netflix: Explicación del final con spoilers


Netflix no para de insistir que nos quedamos en casa con película que parecen mensajes subliminales. Si hace unos días estrenaba El Hoyo, ahora directamente lo hace con HOGAR. Pero es que en tiempo de pandemias, tener una casa grande soluciona muchos problemas, y eso es precisamente lo que piensa el protagonista de la nueva película de los hermanos Pastor, capaz de hacer cualquier cosa por unos m2 de más.

SINOPSIS Y RESUMEN DE ‘HOGAR’

Hogar nos presenta a Javier Muñoz (Javier Gutierrez) un ejecutivo en paro que no encuentra trabajo dentro de su especialidad: la publicidad. Y su nueva economía no le permite seguir llevando el estilo de vida al que estaba acostumbrado. Pero él, obsesionado con lo que ha perdido, comienza a acechar a la nueva familia que alquila su antiguo piso de lujo: un matrimonio con una niña que está pasando una crisis debido a los problemas de alcoholemia de él.

Javier ve la oportunidad de volver a tener su antiguo estilo de vida y elabora un plan sin importarle los años colaterales que deje a su paso. Porque su hogar no está donde se encuentre su familia, sino en la casa con las mejores vistas.

Imagen de ‘HOGAR’

HOGAR, DULCE HOGAR

En HOGAR estamos ante un protagonista que funciona a su vez de antagonista, aunque al principio no somos conscientes de lo despreciable que es, e incluso sentimos lástima por él: un padre de familia sin trabajo que no consiguen que lo contraten por su edad y que parece haberse quedado anticuado en su  profesión. Pero en seguida comienza a mostrar su propia naturaleza dejando ver de la pasta que está hecho. Y no es una pasta que nos gustaría tener cerca.

Lo primero que hay que entender de Javier es que todo lo hace por él mismo y por su propio beneficio. Ni siquiera piensa en su familia. De hecho, esa presión por el descenso social no afecta a su mujer e hijo, los cuales aceptan de buen grado el cambio en sus vidas. Pero es él el que se niega a ser un pelele más, por lo que decide hace todo cuanto esté en su mano para cambiar las cosas, cueste lo que cueste. Así es como acaba llevando a cabo su famoso plan.

PAN PARA HOY, PLAN PARA MAÑANA

Javier está tan obsesionado con su antigua vida que decide ir de visita a su anterior piso del que aún conserva las llaves. Se da cuenta de todo lo que ha perdido y se obsesiona hasta el punto de querer conocer al nuevo dueño: Tomás (Mario Casas), un ejecutivo de una empresa de transportes con mujer e hija y con problemas de alcohol. Entonces Javier decide usar esa debilidad para tramar un plan por el que recuperar su antigua vida, sin importarle los daños colaterales que conlleven el asunto.

El plan es sencillo, meterse en la vida de Tomás, hacerse su amigo, conocer a su familia, engañarlo, hacer que recaiga en la bebida, matarlo y finalmente ocupar su lugar. Todo claro, con las cosas planeadas para que no le relacionen con tal atrocidad y dejando los hilos bien atados.

Imagen de ‘HOGAR’

Para poder disfrutar de la película plenamente hay que hacer más de un acto de fe y creer que las cosas suceden según lo planeado a pesar de lo ilógico que resulta. Y es que el plan del protagonista no es tan brillante como nos lo pintan; si sale adelante es porque al fin y al cabo se trata de una película donde los guionistas fuerzan las situaciones.

Estamos hablando de que un hombre mata a otro manipulando un recoge-hojas y haciéndolo parecer un accidente. El mismo que mata a uno más manipulando un spray anti-violadores con esencia de cacahuete; todo con la convicción de que la mujer use el spray contra su marido y con la esperanza de que muera en el acto sin tener cerca antiestamínicos que tomar o un hospital al que ir. Y bueno, ya en última instancia, cofia en que la viuda lo acepte como nuevo marido y que su pasado no interceda.

El guion es una coreografía guiada que nos venden como el único camino lógico cuando en verdad es todo lo contrario. Por eso la única forma de disfrutarla es creer que todo lo que sucede es posible y que la suerte acompaña a nuestro hombre de la mano.

EL FINAL DEL HOGAR

Quizás la parte más interesante de la película sea el final. Y es interesante porque precisamente el que gana la batalla es el villano, y además lo hace quedando como un héroe. Javier no solo ha logrado volver a su estatus social, sino que además lo ha mejorado: su nuevo suegro es millonario, tiene un puesto asegurado en la empresa de marketing e incluso ha cambiado a su hijo del que se avergonzaba por una niña perfecta. Parece que Javier finalmente ha logrado tener la vida que tanto ansiaba y su día a día se ha convertido en el anuncio que mostraba en la primera escena.

Javier Gutierrez en ‘HOGAR’

Ahora bien, para lograrlo ha hecho lo inimaginable: matando, engañando, pisoteando a los demás y dejando de lado a su mujer e hijo. Lo curioso es que si muchas veces nos pusiéramos a pensar cómo han llegado a lo alto de pirámide social algunas personas, descubriríamos que la historia no es tan diferente. Parece que el sistema en el que vivimos favorece la psicopatía, y que el dinero y el estatus social lo es todo. Por eso mientras nosotros nos pasamos la vida en nuestro piso de treinta metros cuadrados, ellos nos miran desde su casa de lujo con vistas impresionantes, con la certeza de que han hecho de este mundo su HOGAR y harán lo que sea para conservarlo.