Análisis «Matrix: Resurrections» [Explicación del final con spoilers]

Analisis Matrix Resurrections explicación del final con Spoilers 1

«Matrix: Resurrections» nos llega más de 20 años después de que las hermanas Wachoski revolucionaron la industria del cine con la primera “Matrix”, una película que no solo creó tendencia en el cine de acción, sino que se asentó con firmeza dentro de la cultura popular tanto por su estética como por su mensaje. Y, aunque las secuelas decepcionaron a un gran porcentaje del público, la primera entrega sigue siendo una parte muy importante de la cultura popular.

Por eso, aunque haya pasado bastante tiempo, no es de extrañar que Matrix haya sido una de las sagas revividas en esta fiebre de reboots y remakes en la que se encuentra sumergido el cine actual. Pero claro, una película tan profunda y compleja como Matrix no podía limitarse a ser una secuela más. Razón por la cual no extraña a nadie que esta nueva entrega haya resultado ser una secuela tan rebosante de ideas como divisiva en las opiniones generadas.

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Imagen de Matrix: Resurrections

La metanarrativa de Matrix: Resurrections

La película arranca con una breve secuencia de acción que imita, literal y explícitamente, el inicio de la original. Una repetición sobre la que los propios personajes reflexionan en voz alta preguntándose: “¿Por qué reutilizar código antiguo para crear algo nuevo?”. Cuestionándose su propia existencia, Matrix Resurrections deja claro desde el principio que se trata de una película que no debería existir, criticando la cultura del reboot desde dentro.

Más adelante nos encontramos a Keanu Reeves llevando una vida aparentemente normal como desarrollador de videojuegos. Algo que más adelante se nos revelará como un nuevo truco del “arquitecto” de Matrix para mantener controlado a Neo, el elegido. El resultado es una secuencia absolutamente brillante en la que, como supuesto desarrollador del videojuego Matrix, la película se volverá todavía más meta y autoconsciente para reflexionar sobre todo lo que supuso la trilogía original.

Lo más interesante de todo es como, en dicha reflexión, casi podemos ver a Lana Wachoski dialogar con su yo del pasado. Todos cambiamos y los autores no son menos. Y así, casi 20 años después, resulta fácil entender que ciertas opiniones no sean iguales. Por eso resulta tan enriquecedor encontrar esas nuevas reflexiones en las que parece estar enmendando aquellas opiniones de la original sobre las que ya no piensa de igual manera. Ya sea al criticar la excesiva simplicidad de reducir todo a una decisión entre 2 pastillas, o plantear un nuevo mundo en el que máquinas y humanos colaboran porque los bandos están más difuminados y no todo resulta tan extremo.

Así pues, poco después de reflexionar sobre su propia inutilidad por ser un reboot, la película nos ofrece en bandeja uno de los mejores ejemplos de por qué si que puede resultar útil el ejercicio de volver a revivir ciertas obras del pasado. ¿Era esta la razón por la que Lana decidió realizar esta 4ª entrega? La propia película nos responde cuando Keanu Reeves se ve obligado a realizar una 4ª entrega del videojuego contra su voluntad, al haber amenazado Warner con realizarlo igualmente sin él si se negaba. Más claro que el agua.

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Imagen de Matrix: Resurrections

Máquinas y humanos

Una vez es liberado de nuevo de Matrix, Neo se encuentra ante un nuevo mundo en el que han pasado 60 años. Ya no queda rastro de Sión, la ciudad que conoció en la trilogía original, pero si quedan algunas personas y recuerdos de lo que allí ocurrió en una nueva ciudad construida tras la caída de la primera. En esta nos encontramos a humanos conviviendo con algunos robots, intentando construir un mundo nuevo. Con fuentes de energía, comida cultivada y, en definitiva, más preocupados por construir un nuevo futuro escondidos de las máquinas de Matrix que por pelear contra ellas.

Pero, ¿por qué conviven humanos y máquinas? La respuesta está en el final de la trilogía original, en la cual Neo se sacrificaba para derrotar al agente Smith, quien se había convertido en un virus que había asolado la Matrix original por completo. Este sacrificio altruista fue interpretado por algunas máquinas de forma crística, convirtiendo a Neo en el mesías de una nueva religión que convenció a algunas máquinas de unirse a los humanos para formar un mundo mejor.

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Imagen de Matrix: Resurrections

La acción en Matrix: Resurrections

Ya desde el comienzo de la película, cuando reflexionan sobre lo que supuso la original, escuchamos a un personaje hablar de como Matrix es mucho más que acción vacía. Y es que es fácil olvidar que debajo de su marcada estética y su innovadora acción, había mucha profundidad en aquella película. Al contrario que el resto de películas del género que intentaron copiar su estilo superficial, pero sin tener ni una décima parte de su complejidad.

Más adelante, en la primera secuencia de acción tras escapar Neo de Matrix, vemos aparecer a Merovingio (personaje presentado en la segunda entrega de la saga) que no para de gritar durante la escena criticando que hoy en día todo es peor y que ya no se hacen escenas de acción como las de antes. Todo esto en una escena de acción que, efectivamente, resulta confusa, está mal rodada y está muy lejos de la calidad que tenía la saga original.

Al igual que la simulación de Matrix se ha renovado y adaptado a los nuevos tiempos, la acción que en ella se desarrolla también se ha adaptado a los nuevos tiempos. Matrix es un reflejo de la actualidad, tanto a nivel social como cinematográfico, por eso la acción que en ella se desarrolla es pobre y con un montaje caótico, como la que abunda en tantos blockbusters de hoy en día. Al contrario que en el programa de simulación que desarrollan los propios humanos, en el que vemos una escena de pelea homenajeando al combate de artes marciales entre Neo y Morfeo en la primera entrega,  y que resulta estar rodada de forma mucho más limpia y cercana al estilo original.

Sin embargo, que se trate de una reflexión y que hasta cierto punto se pueda considerar intencional no quita que más de la mitad del metraje de la película son escenas de acción pobres y confusas. La idea y la reflexión son geniales, pero para la próxima unos cuantos minutos habrían sido suficientes para mandar el mismo mensaje y nos habrían ahorrado algún que otro bostezo.

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Imagen de Matrix: Resurrections

La nueva Matrix

Neil Patrick Harris, quien aparece en principio como psicólogo de Neo, pronto se revela como El Arquitecto. Personaje que conocimos en la trilogía original y que resulta ser el responsable de programar Matrix. Él es quien nos explica los cambios realizados en esta nueva versión de Matrix, que no deja de ser una readaptación de Lana Wachoski para adaptar la metáfora original a los problemas que nos encontramos en sociedad hoy día.

Nos cuenta la razón por la que Neo y Trinity estaban encerrados tan juntos en esta nueva Matrix. Según nos dice, teniendo en cuenta que Matrix es una excusa para extraer energía de los seres humanos, se dio cuenta de que la conexión tan especial que tenían estos dos eran una gran fuente de energía. Juntos, como en la primera entrega, dieron lugar al elegido, una fuerza casi imparable capaz de acabar con Matrix. Pero si se les junta lo suficiente para que afloren los sentimientos entre ellos, pero no tanto como para que lleguen a juntarse realmente, el resultado es una gran fuente de energía. En palabras del propio arquitecto, los sentimientos resultan ser una fuente de energía mucho más poderosa que la lógica.

Una idea que se ajusta perfectamente a los cambios que nuestra sociedad ha sufrido desde comienzos de siglo. Si la primera Matrix era el reflejo de una sociedad dormida, controlada mediante la apatía que les hacía no actuar por pura desgana, en esta entrega nos encontramos con la fuerza de los sentimientos como reflejo de la posverdad. La nueva era en la que políticos de todo el mundo se han alzado apelando a los sentimientos por encima de la lógica, confiando en el error humano que nos lleva a creer aquellas cosas que coinciden con nuestra forma de pensar debido a los sentimientos que nos producen, en lugar de creer en base a los datos objetivos que se nos presenten.

La nueva Matrix es fiel reflejo de esta nueva oleada política y se muestra como un contraste absoluto con la apatía de la primera entrega. Lo que entonces era una sociedad dormida y desinteresada en la política, sumergida de lleno en el estado del bienestar, ahora es una sociedad a la que las sucesivas crisis han arrebatado aquel cómodo estilo de vida y que ha reaccionado ante esto con ira y miedo. Sentimientos frente a frialdad. Una sociedad más activa en política, pero que se mueve más por odio y miedo que por verdadera ilusión por mejorar. En definitiva, tal y como dice el arquitecto, una fuente de energía totalmente desbocada gracias al poder de los sentimientos.

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Imagen de Matrix: Resurrections

Neo y Trinity. El final de Matrix: Resurrections

Pero dentro de esta ola de negatividad, Matrix Resurrections nos ofrece un poco de optimismo. Y no son otros que Neo y Trinity los que nos la traen. Si en la primera Neo era el elegido sobre el que giraba todo, aquí vemos una vez más a Lana re elaborar sobre la original para añadirle nuevos matices. Ya no se trata de un solo elegido, sino de el poder de estos dos juntos.

Una idea que realmente no se aleja tanto de lo que decía la original. Al fin y al cabo, ya en la primera entrega, a través del oráculo, se reflexionaba mucho sobre la verdadera naturaleza del elegido. Y sobre si se trataba de una profecía real o simplemente, al ser Matrix un programa basado en la auto percepción, se trataba de una profecía autocumplida. Es decir, al igual que para saltar el edificio Neo solo necesitaba creer en que podía hacerlo, para ser el elegido Neo solo tenía que creer que podía serlo. Y esa creencia le nace, precisamente, al final de la primera entrega. Cuando Trinity le susurra al oído que él tiene que ser el elegido, porque el oráculo le dijo que ella se enamoraría del elegido, y ella estaba enamorada de él. Una frase que resulta el punto inicial del camino de Neo, todo gracias a Trinity y a, como ya hemos mencionado, el poder de los sentimientos.

De esta manera «Matrix Resurrections» cierra el círculo de una manera muy hermosa. Con la pareja que lo empezó todo 20 años atrás, saltando juntos al vacío. Con Trinity siendo en esta ocasión la elegida para violar las leyes de Matrix y volar para salvar a Neo, y con ambos surcando los cielos dispuestos a iniciar una revolución. “Has cometido el error de darnos esperanza”, le dicen al arquitecto. Y es verdad, porque una sociedad dormida es una sociedad incapaz de cambiar nada, pero al despertarnos para aprovechar nuestro odio nos han dado la esperanza de que, ahora si, podemos movernos para cambiar el mundo. Porque el odio se puede transformar en amor, la apatía en esperanza, y la sociedad puede volver a creer en que la revolución para librarnos de Matrix es posible. Que la revolución para cambiar el mundo es posible. Solo hay que creer, y perder el miedo a saltar.

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Imagen de Matrix: Resurrections
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Crítica ‘LOS HERMANOS SISTERS’ (The Sisters Brothers):

» Una relación fraternal, la de “Los hermanos Sisters”, que brilla como el oro en el lecho de un río»


Decía Jose Luís Sampedro que todos aquellos términos que empezaban con el prefijo “neo” eran en realidad viejísimos, pues nada verdaderamente nuevo necesita de añadidos para remarcar su novedad. Esto queda de sobras patente en el Neo-western, género de moda en los últimos años, pero que en el fondo no hace más que retomar el testigo allí donde lo dejó Clint Eastwood en 1992 con “Sin perdón”.

Y es precisamente este género, el Neo-Western, por el que se ha decidido Jacques Audiard en su última película: “Los hermanos Sisters”. La historia de dos hermanos que se ganan la vida como pistoleros a sueldo. Distintos en su forma de ser, pero unidos por un fuerte vínculo fraternal, acabarán juntándose con dos desconocidos para formar un variopinto grupo con el objetivo de hacerse ricos buscando oro.

Joaquin Phoenix y John C. Reilly en ‘Los hermanos sisters’ (The Sisters Brothers)

Un hermano sanguinario que disfruta con su violento trabajo, el otro, más sensible y humano, solo busca retirarse y vivir una vida apacible. Junto a ellos están un detective y un buscador de oro, que terminan de completar este amplio abanico de personalidades a medio camino entre el Oeste más salvaje y la apacible nueva sociedad a la que el progreso está dando lugar.

Este grupo, y las relaciones entre sus miembros, se convierten en el eje central. Unos personajes tan bien escritos resultan un regalo para un reparto que sabe hacerlos brillar como se merecen. Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal y Riz Ahmed dotan de un realismo y carisma plenos a los 4 protagonistas, lo que resulta fundamental para que la película llegue a funcionar tan bien como lo hace.

Jake Gyllenhaal y Riz Ahmed en ‘Los hermanos Sisters’ (The sisters brothers)

Mediante estas relaciones, Audiard reflexiona sobre diversos temas ya comunes en el Western, pero ofreciendo una visión mucho más innovadora de lo que acostumbramos a ver en el género. Desnudando la masculinidad tóxica del violento pistolero arquetípico, explorando los límites de la confianza entre desconocidos o reflexionando sobre la codicia como un veneno que se extiende sobre las aguas para perjudicarnos a todos.

En definitiva, una película que utiliza los problemas de sus personajes particulares para explicar algunos de los problemas más generales del ser humano. Una película reflexiva e inteligente sobre las relaciones humanas de todo tipo. Pero especialmente una relación fraternal, la de “Los hermanos Sisters”, que brilla como el oro en el lecho de un río.


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Crítica de ‘120 pulsaciones por minuto’

‘120 pulsaciones por minuto’ nos regala una historia tan humana que parece latir con corazón propio.

Desde Francia nos llega ‘120 pulsaciones por minuto’, la película preseleccionada por nuestro país vecino como candidata a los Oscar de 2018. Presentada en el pasado festival de Cannes, donde se alzó con el premio del jurado, la película se ha convertido en uno de los títulos más esperados y celebrados del año dentro del cine europeo.

Nos situamos en París, a comienzo de los años 90 y con la epidemia de SIDA causando estragos entre la población. Allí seguiremos al grupo activista «Act Up» que se manifestarán para dar visibilidad a la enfermedad, y presionar al gobierno para forzarle a actuar con mayor contundencia en labores de cura y prevención.

critica 120 pulsaciones por minuto
Imagen de ‘120 pulsaciones por minuto’

Su director, Robin Campillo, fue partícipe del movimiento, por lo que se basó en su experiencia real para rodar la película. Tal vez sea esta la razón por la que la narración resulta tan sensible y realista. Un relato cargado de humanidad que nos sumerge de lleno en la gravedad del problema sin tener que recurrir a melodramas.

‘120 pulsaciones por minuto’ alterna entre escenas de la asamblea del  «Act Up» y otras sobre los miembros del grupo en su vida personal. Aunque, paradójicamente, son las primeras las más absorbentes y apasionantes. Rodadas con mucho dinamismo, buenos diálogos y fantásticas interpretaciones, consigue que seamos participantes de cada debate.

Esto se complementa con momentos de su vida personal, que logran convertir los discursos de las reuniones en asuntos de vida o muerte. No se trata de simple política, se trata de gente luchando por su vida. Personas que ven como los días se les escapan tras cada análisis, que luchan por una cura milagrosa, o incluso algunos que ya han asumido su destino, y solo quieren evitar que otros cometan su error debido a la falta de información.

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Imagen de ‘120 pulsaciones por minuto’

Una película coral, donde se aprecia como una misma enfermedad afecta a cada uno de una forma completamente diferente. Mención principal a Nahuel Pérez Biscayart, que consigue sensibilizar al espectador con una interpretación maravillosa pese a la complejidad de su personaje.

El mayor problema que se le puede achacar a ‘120 pulsaciones por minuto’, es su desigual ritmo. Especialmente en un último tramo que da la sensación de alargarse más de lo necesario. En cualquier caso, sus virtudes logran compensar más que de sobra sus irregularidades, y ofrecernos una historia tan humana que parece latir con corazón propio.

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‘Star Wars: Los últimos Jedi’ ¿A que lado de la fuerza perteneces?

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‘Los últimos Jedi’, el esperado episodio VIII de Star Wars, ha sido el último en unirse a la larga lista de películas causantes de polémicas en internet. Pese a haber gozado de excelentes críticas por parte de la prensa, pocas horas tras su estreno comenzaron a surgir movimientos de quejas en distintas redes sociales y portales de opinión de cine, como respuesta a lo que los fans más acérrimos consideraban un insulto a su saga.

No es la primera vez que un grupo de fans monta en cólera por una nueva entrega, pero si la primera en la que lo hacen con una película  que, en general, ha tenido una gran acogida. Con notas altísimas en “Rotten Tomatoes” y “Metacritic”, dos webs que recogen las valoraciones entregadas por los críticos, así como en “CinemaScore”, formada por las opiniones recogidas del público en encuestas al salir de la sala. La pregunta que cabe hacerse es, ¿por qué ha enfadado tanto a los fans y no a la crítica y el público general?

Eso sí, para responder a esa pregunta vamos a utilizar spoilers. Muchos spoilers. Así que si aún no la has visto, correr al cine tú debes.

los ultimos jedi
Con los spoiler cuidado deber tienes
Hace mucho tiempo, en una galaxia muy muy lejana

Lo que empezó siendo una frase icónica de la saga se ha convertido en una buena descripción de sus orígenes. Con 40 años a sus espaldas, Star Wars ha vivido lo suficiente para contar en su haber con fans de todas las edades imaginables. No solo se trata de una historia con gran significado para muchos fans, sino que llevan muchos años sintiendo esa pasión. Y claro, cuando te diriges a gente que conoce a Luke desde hace más tiempo que a su cónyuge o sus hijos, resulta difícil mostrar un personaje a la altura de sus expectativas.

Si además, como en el caso de ‘Los últimos jedi’, propones una historia que rompe por completo con el estándar de la saga, tienes que prepararte para que los fans, con George Lucas a la cabeza, comiencen a encender sus antorchas.

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Oh, hi Mark!
Dejar que el pasado muera

Kylo Ren es, probablemente, el personaje que mejor refleje la evolución que ha seguido la saga en esta nueva trilogía. En ‘El despertar de la fuerza’ lo veíamos como un joven atenazado por el miedo a no estar a la altura de su predecesor, Darth Vader. Casi como un espejo que reflejase al propio J.J. Abrams, entregando una secuela más que digna, pero en la que se notaba cierta aversión al riesgo por miedo a no contentar a los fans.

En esta nueva entrega, en cambio, tenemos un Kylo Ren dispuesto a romper con todo su pasado. A acabar con todo el mundo, bueno o malo, y forjar por cuenta propia el destino de la galaxia. Del mismo modo, Rian Johnson no se conformará con llegar a la cima subido a hombros de otras personas, sino que se arriesgará a  tratar de convertirse a sí mismo en un gigante.

De esta manera, “que muera el pasado” se convertirá, no solo en el leitmotiv de Kylo, sino de toda la película. La muerte de Snoke y de Luke, dejando a los jóvenes como únicos responsables del porvenir de la fuerza. La quema del árbol Jedi por parte del mismísimo Yoda. Estas y otras muchas simbologías cargadas de fuerza dejaran, más que clara, la idea de su autor.

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– Tanta nostalgia ni tanta hostia, os voy a dar yo nostalgia
Una traición a Star Wars

Con todo lo que acabamos de decir no es de extrañar que muchos fans de la saga no se hayan tomado nada bien todos estos cambios. Enfadados por ver a un Luke cargado de dudas, en lugar de aquel joven valiente que confiaba en la fuerza por encima de todo. Indignados por ver a Yoda hablar de las escrituras Jedi como algo aburrido. Y sorprendidos, para mal, al ver que la historia no seguía los pasos que ellos pensaron que seguiría.

Al final, después de todas las críticas que le cayeron a J.J. Abrams por hacer “más de lo mismo” en el episodio VII, parece ser que eso era justo lo que querían muchos fans de la saga. Las nuevas entregas no pueden competir con las antiguas, porque no compiten contra películas, sino contra recuerdos. Compiten contra la nostalgia de tiempos pasados; contra el peso de años amando una saga y a unos personajes.

El pasado es una carga demasiado grande para seguir adelante. Kylo Ren lo sabía, por eso se libró de su pasado, para poder seguir avanzando. De igual manera, si queremos disfrutarde nuevas aventuras, ilusionarnos con nuevos personajes o sorprendernos con nuevas ideas, tenemos que dejar a un lado esa nostalgia. Incluso si eso implica tener que quemar todo lo que nos queda de aquel hermoso pasado.

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– Están recogiendo firmas para quitar esta peli – Vaya palo…
El verdadero espíritu de la saga

Sin embargo, y paradójicamente, estamos ante una de las entregas que mejor ha sabido captar la verdadera esencia de una saga. Algo que el propio George Lucas parece que olvidó al rodar su segunda trilogía, pero Rian Johnson ha sabido rescatar en ‘Los últimos Jedi’. Sin estúpidos midiclorianos ni absurdos consejos o academias. Tan solo una joven, sentada en una roca, sintiendo por primera vez la fuerza.

Porque en el fondo, y por mucho que los queramos, la auténtica esencia de Star Wars no está en Luke, ni en Darth Vader, ni en Yoda. Ni tampoco en unas letras amarillas flotando sobre el espacio. Ni siquiera en los mágicos acordes de la música de John Williams. Todas estas cosas nos emocionan porque nos recuerdan a Star Wars, pero no son Star Wars.

El verdadero espíritu de la saga está recogido en la prodigiosa escena final de ‘los últimos jedi’. Porque Star Wars es eso. Es un niño mirando a las estrellas, mientras sujeta una escoba como si de una espada laser se tratara. Es un adulto que a sus 20, o 40, o 60 años, sigue teniendo a ese niño en su interior. Star Wars es, ante todo, un sueño. Y Rian Johnson nos ha devuelto las ganas de soñar.

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Por no hablar de que esta batalla es LA HOSTIA
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Crítica de ‘Una especie de familia’

‘Una especie de familia’ no logra alejarse suficiente del estereotipo de melodrama como para resultar interesante

Bárbara Lennie protagoniza ‘Una especie de familia’. Un drama argentino, dirigido por Diego Lerman, que nos cuenta la historia de una doctora de Buenos Aires que viaja al norte del país para adoptar un bebé. Sin embargo, pronto verá que no todo es tan fácil como se esperaba, y las dificultades la llevarán al límite para intentar cumplir su sueño de ser madre.

critica una especie de familia
Cuando decides no abrir google maps y fiarte de tu orientación

No hay duda de que la película logra plasmar con éxito la enorme fuerza que tiene el deseo de una mujer por ser madre. En gran medida gracias a la espectacular interpretación de Bárbara Lennie, que resulta, sin duda alguna, lo más destacable de toda la cinta. La historia recae por completo sobre sus espaldas, y ella logra plasmar a la perfección los miedos, las inseguridades y el amor que la llevan a actuar en cada momento.

Sin embargo, es la historia la que no logra estar a la altura de la película. Con un comienzo aceptable, pero que, como si tuviese miedo a no resultar suficiente para sostener todo el metraje, comenzase a añadir más y más situaciones dramáticas. Haciendo que la película discurra por caminos que difícilmente nos pueden resultar creíbles.

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Resumen de lo mejor de la película

Lo que nos lleva a un último tramo en la que desconectamos por completo de la historia. Nos resulta imposible empatizar con los personajes, así que nos limitamos ver todo aquello desde fuera movidos más por la inercia que por el entusiasmo. Como un chicle que hace tiempo que perdió el sabor, pero que seguimos masticando porque aún no hemos encontrado una papelera en la que arrojarlo.

No hay duda de que hay aspectos interesantes en ‘Una especie de familia’, simplemente no parece haber los suficientes como para sostener toda la película. Afortunadamente, sus 90 minutos de duración la hacen suficientemente llevadera como para no salir demasiado descontentos. No salimos aburridos, simplemente sentimos una especie de indiferencia.

valoracion de dos y medio sobre cinco

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Crítica de ‘La vida y nada más’

‘La vida y nada más’ nos trae un relato cargado de cercanía y naturalidad, lástima que se trate de una historia que ya nos suena demasiado

‘La vida y nada más’ nos cuenta la historia de Regina, una madre soltera afroamericana que intenta sacar adelante como puede a su hijo de 14 años. Con su padre en la cárcel, y un estilo de vida no demasiado favorable, su madre será la única influencia para intentar evitar que el joven Andrew arruine su vida por repetir los pecados de su padre.

Hay dos cosas que, sin duda, sorprenderán a todo aquel que salga de ver esta película sin estar demasiado informado sobre ella. La primera, es que se trata de una producción española, dirigida por Antonio Méndez Esparza. La segunda, y más sorprendente aún, es que su reparto está compuesto enteramente por actores no profesionales. Algo especialmente asombroso en el caso de Regina Williams, cuya interpretación es simplemente brillante.

critica la vida y nada mas
Imagen de ‘La vida y nada más’

Seguramente sea esta la razón por la que ‘La vida y nada más’ nos ofrece una visión tan humana y realista de este aspecto de la sociedad. Sentimos su miedo, su esperanza y su lucha como si lo viviésemos en nuestras propias carnes. Y no podemos evitar compartir ese vértigo en el estómago al arriesgarnos a comenzar una nueva relación, o sufrir el miedo de ver a un hijo perderse entre el oscuro mundo que le rodea.

Regina es una buena madre, es una mujer tremendamente válida, responsable y trabajadora. Su único error, ha sido nacer en una sociedad en la que todos esos valores no te facilitan el camino en lo más mínimo. En la que, al margen de tus condiciones, seguirás teniendo que escalar una montaña para llegar a donde otros han subido como si fuesen en unas escaleras mecánicas.

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Imagen de ‘La vida y nada más’

El mayor problema que tiene la película es que se trata de una historia que ya hemos visto en otro centenar de ocasiones. Las familias desestructuradas y los dramas sociales resultan ya demasiado manidos y, por mucho que se cuenten de forma más realista y cercana que nunca, no dejan de perder parte de su fuerza por lo poco novedoso de su mensaje.

La vida y nada más’ es un fiel retrato de la dura vida de la clase baja. En la que cada día es una lucha por seguir adelante, y el más mínimo error que cometas no se te perdonará jamás. Gente marginada a la que la justicia no concede ni un respiro. Antonio Méndez Esparza nos muestra la verdadera cara de estas personas. Para que veamos que no todas las vidas con como la nuestra, y que hay gente que no tiene nada más.

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Análisis de ‘En realidad nunca estuviste aquí’ (You were never really here) [Explicación del final con spoilers]

análisis en realidad nunca estuviste aquí (you were never really here)  explicación del final


Si estás leyendo esto es que has visto “En realidad, nunca estuviste aquí” (You were never really here) y buscas a alguien que te aclare un poco las ideas. Es normal, a todos nos ha pasado. Y no es que su argumento sea demasiado complejo, pero la forma en la que está narrada hace que resulte indudablemente confusa. Así que vamos a intentar aclararnos un poco.

Nos encontramos ante una clásica historia de venganza protagonizada por un personaje atormentado. Joe (Joaquin Phoenix) es un veterano de guerra que trabaja como mercenario a sueldo, liberando a mujeres secuestradas.

Un día recibirá el encargo de liberar a la hija de un senador. Pero una vez involucrado en el caso, descubrirá que en realidad no se trataba de un secuestro al uso. El senador, enfermizo y depravado,  había acordado con otro hombre y padre,  intercambiar a sus hijas por motivos tan turbios que no se llegan a aclarar en la historia, pero que podemos imaginarlos. Tras un tiempo decidió acabar el intercambio, pero el otro implicado se negó a devolverle a su hija, de la que según cuentan en la película, se había ‘encariñado’. Así que el Senador se ve obligado a contratar a Joe, manteniendo a la policía alejada ante el despropósito del trato que había llevado a cabo.

Esto provocará que asesinen al senador, convirtiéndolo en un suicidio para la prensa. Pese a ello, Joe continúa con su misión, pues su terrible pasado y su deseo de ayudar a las personas en peligro le obligan a seguir adelante. Joe acude a liberar a la niña y, para su sorpresa, la encuentra junto al cadáver de su captor, al que ella misma ha asesinado.

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Joaquin Phoenix y Ekaterina Samsonov
El guerrero atormentado

El personaje de Joe no es ninguna novedad en el cine. De hecho, podríamos decir incluso que resulta un cliché; un exmilitar atormentado que trabaja como mercenario a sueldo y vive una vida de tormento continuo. Sin embargo, lo importante en este caso no es tanto el personaje, sino como está reflejado. Quizás la idea no se nueva, pero pocas veces la hemos visto tan expuesta en el cine.

La directora, Lynne Ramsay, consigue que nos metamos de lleno en la cabeza de Joe. A través de un montaje absolutamente prodigioso que alterna entre pasado y presente, entre realidad y ficción, de forma tan difusa que hasta nos cuesta distinguirlas. No en vano, estamos viendo la historia a través de los ojos de su protagonista, un hombre de mente trastornada. De ahí que todo resulte tan caótico.

Sin embargo, todo este excelente trabajo no serviría de nada de no contar con una interpretación suficientemente buena para respaldarlo. Y aquí es donde Joaquin Phoenix hace acto de presencia, con un papel titánico que resulta un pilar fundamental de la película. El actor logra hacer de Joe un personaje aterrador y tremendamente perturbado, a la misma vez que frágil y lleno de ternura. Una labor excelente.

La unión de estos dos factores, dirección e interpretación, funciona de forma perfecta para dibujar al personaje. Un hombre que se ahoga, literal y metafóricamente. Que vive por los demás para evitar afrontar su propia miseria. Con un pasado lleno de violencia, ya desde su más tierna infancia, del cual solo consigue huir, momentáneamente, mediante nuevas oleadas de violencia desmedida.

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Joaquin Phoenix como Joe
Una niña no tan desvalida

Resulta evidente que el trabajo de Joe resulta solo una excusa. Él ha vivido una infancia traumática que le ha marcado para siempre, y pretende evitar que otras niñas acaben como él salvándolas de sus terribles situaciones.

Es por eso que, al entrar en la habitación y ver a la pequeña junto al cadáver del hombre que la apresaba, Joe comprende al instante lo que está ocurriendo en su cabeza. Reconoce a alguien que esta sufriendo lo que él ya ha sufrido, y eso le hace conectar todavía más con ella. No es alguien al que deba proteger del mal, sino alguien al que proteger de si misma para que no acabe convertida en él. Joe sabe que debe salvarla, y eso le da una razón para seguir viviendo. Por eso se necesitan el uno al otro.

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La pareja protagonista en la escena final
It’s a wonderful day

Con su madre muerta, Joe seguirá adelante solo gracias a la niña. Por eso, al ir ella al baño en la cafetería, vemos esa escena en la que él se imagina pegándose un tiro en la cabeza. Al volver, la pequeña cerrará la película con una simple frase: “Despierta, hace un día precioso”. La vida ha sido injusta con ellos, seguramente nunca podrán recuperarse, pero no les queda más remedio que despertar y seguir hacia delante.

‘En realidad, nunca estuviste aquí’ es una película en la que prima la forma sobre el contenido. En la que el “¿qué?” pierde importancia frente al “¿cómo?”. La historia pasa a un segundo plano, lo esencial no es lo que ocurre, sino los sentimientos que nos provoca. Por eso abundan tanto esas pequeñas escenas, sin un significado verdaderamente literal, pero cargadas de un significado metafórico que busca evocarnos las emociones adecuadas.

En definitiva, una magnífica labor de Lynne Ramsay para conseguir que todos los elementos que rodean a una historia normal logren elevarla muy por encima de lo común. Dirección, montaje, actuación y banda sonora (magistral trabajo de Jonny Greenwood, guitarrista de Radiohead) se compenetran a la perfección para hacer de esta película un trabajo cargado de originalidad, que difícilmente dejará a alguien indiferente.

Puedes leer la crítica de ‘En realidad nunca estuviste aquí’ en la web.

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Crítica de ‘The Crown» [Temporada 2]

The Crown T2 continúa con los juegos políticos, con las intrigas personales y, sobre todo, sigue esa cuidadosa habilidad para compaginar humanidad y nobleza en las dosis adecuadas.

Cuando uno piensa en series de Netflix, es posible que ‘Stranger Things’ o ‘Narcos’ sean los primeros ejemplos que se le vengan a la cabeza. Sin embargo, pese a no gozar de tantos fans a sus espaldas como ellas, no hay duda de que ‘The Crown’ es una de las series más importantes de la compañía de streaming. No en vano, su éxito en los Emmy puso el nombre de Netflix en los puestos más altos de las productoras seriéfilas.

En la primera temporada, vimos el comienzo del mandato de la reina. Una mujer joven y todavía demasiado inexperta para la compleja vida política, haciendo que a menudo la tomasen por ingenua. Sin embargo, la ingenuidad no tardará en convertirse en confianza. Y para el final de la temporada veíamos a una auténtica reina dispuesta a tomar las riendas.

Crítica de 'The Crown' T2
The Crown T2

La segunda temporada continúa avanzando la historia tiempo después de donde nos dejó la primera. Con una reina más experimentada, pero que sigue teniendo que enfrentarse a continuos problemas en su vida personal y política. Ya sean conflictos internacionales que esconden oscuros secretos, o las rencillas maritales provocadas por la distancia que conlleva el cargo.

Las tramas son diferentes, e incluso cambian algunos de los personajes, pero pese a ello la serie logra mantener todas las virtudes que la hicieron grande. Siguen los juegos políticos, siguen las intrigas personales y, sobre todo, sigue esa cuidadosa habilidad para compaginar humanidad y nobleza en las dosis adecuadas.

Algo que no resulta nada fácil, pero que es la clave para entender por qué los personajes son el punto fuerte de esta serie. Al humanizar a unas personalidades históricas tan mitificadas, se corre el riesgo de arrebatarles esa aura de grandeza que nos hace tener tanto interés por ellos. ‘The Crown’ logra mostrarnos el lado más oscuro de reyes y reinas sin que pierdan ni una pizca de majestuosidad.

Crítica de 'The Crown' T2
The Crown T2

Entre los puntos negativos quizás el más destacable sea la ausencia de John Lithgow. Su magistral interpretación de Churchill dejó una huella difícil de borrar. Y ahora que al avanzar la historia nos tenemos que despedir de este personaje, resulta imposible llenar el hueco que ha dejado. Las tramas políticas siguen estando presentes y resultan igual de interesantes, pero no podemos evitar echarle un poco de menos.

Afortunadamente las penas resultan mucho menores gracias a la calidad del resto del reparto, frente al cual destaca, como no podía ser de otra forma, Claire Foy. La ganadora del Emmy tal vez no sea la reina de Inglaterra, pero sin duda es la reina de ‘The Crown’. Su personaje es la pieza clave alrededor de la cual giran el resto de elementos de la serie. Y es por eso que, mientras ella esté presente, nunca nos faltaran razones para entonar el “Dios salve a la reina”.

Lee también nuestra crítica de la T1 de The Crown

4 claquetas


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Crítica de ‘La Liga de la Justicia’

«La Liga de la Justicia confirma que el mayor problema del universo DC es que aún no saben que clase de película quieren hacer»

El gran éxito de Marvel en cine ha convertido a DC en el patito feo en cuanto a películas de superhéroes se refiere. La compañia, que en su día se situó muy por encima de su competidora gracias a la trilogía del caballero oscuro de Cristopher Nolan, ha visto como su compañera le sobrepasaba tanto en recaudación como en críticas. La mala acogida de “Batman contra Superman” y la decepción de ‘Escuadrón suicida’ hicieron tambalear el universo DC. Y solo el inesperado éxito de ‘Wonder Woman’ le dotó de fuerzas para seguir adelante su pelea con Marvel.

‘La Liga de la Justicia’ llega con la idea de asentar el éxito que se empezó a vislumbrar gracias a la mujer maravilla. Al más puro estilo de ‘Los Vengadores’, tendremos a Batman reuniendo una cuadrilla de superhéroes, para enfrentarse a un misterioso enemigo que viene con intención de conquistar el planeta.

crítica de la liga de la justicia 1
Cuando tu novia te encuentra el historial del navegador

Sin embargo, parece que esas ansias de éxito están siendo el peor enemigo para DC. En su afán por encontrar un modelo tan exitoso como el de Marvel, han decidido lanzarse a la creación imparable de películas sin llegar a tener claro ellos mismos qué clase de película quieren hacer. Nada más fracasar ‘Batman vs Superman’, y sin tiempo para corregir el rumbo, comenzó la producción de ‘La Liga de la Justicia’. Y en medio de tanta crítica ha resultado imposible dar con una idea de trabajo clara.

Es por todo esto que la película surge como una extravagante mezcla de ideas de la que uno sale sin saber cuál era su intención. En ocasiones intenta ser profunda y reflexiva, mientras en otras recurre en exceso al humor. A veces trata de definir a sus personajes de forma compleja, para después abandonar el intento y recurrir a los clichés.

El villano está escrito de forma penosa y simple. Pero ni llegamos a darnos cuenta porque solo podemos fijarnos en lo mal hecho que está, por culpa de unos efectos especiales a los que se le ven demasiado las costuras. A esto se une la repetida trama, que directamente parece sacada de la plantilla del Word: “guiones para películas de héroes salvando el mundo”.

crítica la liga de la justicia 2
-¿Alguien sabe de quien es esta cuchilla?

Lo mejor de la película es, para sorpresa de nadie, Wonder Woman. La amazona Gal Gadot sigue derrochando más carisma que todos sus compañeros juntos. En este caso, con el sorprendente añadido de Jason Momoa, al que no parece irle nada mal el papel de Aquaman. El contrapunto lo pone Ben Affleck, que sigue sin estar creible en su papel de Batman.

El aspecto positivo de ‘La Liga de la Justicia’ es que, pese a todos sus fallos, al menos no resulta aburrida. Nos quedamos sentados en la butaca, aunque solo sea por el morboso placer de ver hacia donde conduce todo ese disparate. Pero el resultado sigue estando muy lejos de lo que podría haber sido, de haber contado con alguien al frente con la suficiente autoridad e ideas claras. Esperemos que el universo DC se decida por fin sobre hacia donde ir, para así poder encontrar el rumbo.

valoracion de dos y medio sobre cinco

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La doble cara de Hollywood [Columna de opinión]

Es injusto juzgar más duramente una obra por culpa de una de las personas que hay detrás de ella, pero aún más injusto es dejar de juzgar a alguien como se merece por  habernos regalado grandes obras.

Pocas personas quedarán ya que no estén al tanto de la última tormenta de Hollywood. A los casos de Weinstein y Spacey se une ahora Louis C.K. Convirtiendo la industria en una auténtica novela de Agatha Christie, en la que todos nos preguntamos quién será la próxima celebridad en caer. Décadas de glamour y mitomanía nos hicieron ver a las estrellas como poco menos que seres divinos. Y ahora, cuando la horrible verdad sale a la luz, nos duele como si fuera alguien de nuestro círculo cercano.

Hollywood se esforzó en vendernos un mundo de color de rosa y nosotros lo compramos con gusto. Colocando a los artistas en una posición de poder como pocas personas tienen en el mundo. Algunos le dan un excelente uso, como Leonardo DiCaprio con su labor ecologista o Emma Watson con su apoyo el feminismo. Desgraciadamente, muchos otros se sirvieron de ello para cometer abusos injustificables, mientras el resto miraba hacia otro lado.

El cine es un arte. Y como tal, no morirá porque desaparezcan algunas de sus caras más visibles. La única manera de que el cine muera es, precisamente, si permitimos que se convierta en un coto de caza, para que los depredadores campen a sus anchas con el silencioso beneplácito de los compañeros y el público.

Por último, como espectadores, debemos empezar a establecer una mayor diferenciación entre la obra, el artista y la persona. Dejar de pensar que, porque alguien sea un buen actor o director, también será un buen padre o marido. Dejar de sufrir por la separación de Brad Pitt y Angelina Jolie como si fueran una pareja de nuestro grupo de amigos. Y por supuesto, dejar de justificar u olvidar las malas acciones de alguien porque nos gusten sus películas.

Porque se puede seguir disfrutando de “American Beauty” o “Seven” como las grandes películas que son, pese a saber que uno de sus intérpretes es un auténtico monstruo. Igual que se puede entender el fin de la carrera de Kevin Spacey, pese a que ello nos suponga perder a un enorme actor.

Al fin y al cabo, sería injusto juzgar más duramente una obra por culpa de una de las personas que hay detrás de ella, pero aún más injusto sería dejar de juzgar a alguien como se merece, por el hecho de habernos regalado grandes obras de arte. Separemos, en medida de lo posible, al artista de la persona. Dejemos crear al primero, y hagamos que el segundo pague por sus errores, como lo haría cualquiera.

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Harvey Weinstein y Kevin Spacey
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