Crítica de «Corpus Christi»

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Parece que haya pasado medio siglo desde que la academia, al contrario de lo que acostumbra, diera un merecidísimo Oscar a mejor película a la coreana “Parasitos”. Un año de gran éxito para el cine internacional en Hollywood en el que a los records en taquilla de la película de Bong Joon-Ho hay que añadir unas cifras también históricas para la magnífica “Dolor y gloria” de Pedro Almodovar.

El lado negativo de este desbordante éxito se la llevaron el resto de nominadas, a las que si ya de por si les cuesta encontrar su foco, en este caso quedaron completamente eclipsadas. Y en estas circunstancias nos llega “Corpus Christi”. La película de Jan Komasa se estrena en unas condiciones pésimas, pero resulta una gran alegría para cualquier cinéfilo enfrentado a estos tiempos tan desprovistos de estrenos de calidad.

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La película nos pone en la piel de Daniel, un joven a punto de salir de un reformatorio en donde la fe en dios le permitió volver al buen camino, pero cuyo pasado criminal le impide ejercer de cura tal y como el querría. Mientras busca su sitio en el mundo, acabará fingiendo ser un párroco de verdad en un pequeño pueblo. Y allí utilizará su experiencia personal para ayudar a cerrar las heridas de un pueblo marcado por un trágico accidente: la muerte de 6 jóvenes en un accidente de tráfico.

“Corpus Christi” junta dos vertientes que no resultarán demasiado novedosas para nadie. Por un lado la temática de la difícil reinserción en la sociedad tras pasar por el sistema penitenciario, tema ya más que visto en docenas de películas carcelarias. Por el otro la “falsa cristiandad” de aquellos católicos de fachada que no faltan a misa ninguna semana, pero que luego son incapaces de vivir acorde a las creencias que allí se enseñan. De nuevo, una temática que tampoco vemos por primera vez en pantalla.

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Sin embargo, Jan Komasa logra sortear los clichés con total éxito y unir ambas ideas en un discurso que si resulta totalmente innovador: la imposibilidad del perdón en nuestra sociedad. Ese pequeño pueblo, lleno de rencor e ira por aquel accidente, es incapaz de pasar página. Su imposibilidad de perdonar les impide seguir adelante, y les paraliza en un odio constante que, como un veneno, no provoca más que daño a todo el mundo.

No resulta extraño que en esas circunstancias, sea Daniel el único capaz de comenzar a cicatrizar esa herida. Alguien que pecó, que cometió errores y que logró aprender el verdadero valor de la redención. Porque solo alguien que ha experimentado realmente una redención puede entender el valor del perdón y lo necesario que resulta. Y, en definitiva, solo él puede entender el verdadero mensaje de la película: perdonar no tiene nada que ver con olvidar el pasado, sino con construir el futuro.

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Crítica de ‘Dolittle’ con Robert Downey Jr.: el peor animal sigue siendo el hombre

Ver a Robert Downey Jr. hablando perro, ganso, oso o insecto palo, o lo que es lo mismo, hacer ruidos incomprensible mientras pone caras, no es lo que más me apetecía después de disfrutarlo como Ironman durante una década, pero podría habérselo perdonado si al menos el resto de la película hubiese valido la pena. Pero Dolittle nos embarca en una aventura sin rumbo donde hibernar 90 minutos es la mejor solución posible.

SINOPSIS: El Doctor Dolittle vive encerrado en su casa rodeado de animales aunque alejado del resto de la humanidad desde que su mujer falleciera en una expedición en medio del mar. Pero cuando la reina de Inglaterra enferma no le quedará otra opción que ponerse rumbo a la aventura para tratar de salvarla. Así es como rodeado de toda su fauna, niño huérfano incluido, nos adentra en un peligroso viaje a lo desconocido para encontrar la cura.

Robert Downey Jr. en Dolitle

Es evidente que el público de esta película son los más pequeños. Pero eso no justifica que Doolitle tenga una construcción narrativa desastrosa, un montaje caótico y que use más elipsis que CRITERIO para enlazar la trama. La historia está mal contada y lo peor, ni siquiera es interesante. Menos mal que tiene un as debajo de la manga: animales monos a los que explotar como si de un circo se tratara.

Porque sí, lo mejor son los animales. De hecho parece ser lo único en lo que se han esforzado un mínimo dándoles más personalidad que al propio Dolittle, destacando la ardilla vengativa y el avestruz miedica. Incluso podíamos decir eso de que «el peor animal es el ser humano» porque RDJ lo cumple: exagerado, incómodo y consciente de que le habla todo el rato a una simulación. Se nota que había que pagar las facturas, pero parece que esforzarse no figuraba en el contrato.

En resumen, la única respuesta lógica viendo el resultado es que Dolittle la haya dirigido un mono, la haya escrito un ganso y la haya montado un perezoso. Eso o que los productores confíen muy poco en el criterio de los niños y mucho en los padres que pagarían lo que fueran necesario por ver a sus hijos callados durante hora y media.

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Crítica ‘JOJO RABBIT’ de Taika Waititi: cosas nazis

Parece que hemos vuelto a la época en la que tenemos que concienciar de que el fascismo es malo, como si la historia no fuera suficiente recordatorio. Y justamente esta semana se estrena JoJo Rabbit, la nueva película de Taika Waititi en la que un niño tiene de amigo imaginario al mismísimo Hitler, que no es otro que Taika Wititi disfrazado con bigote y con peinado relamido hablando con acento alemán.

Jojo Rabbit nos sitúa al final de la Alemania Nazi y nos presenta a un niño influenciado por las ideas del nazismo hasta el punto de aceptarlas como su propia Biblia. Aunque claro, estamos hablando de un niño descubriendo cómo funciona el mundo, no de políticos con estudios diciendo que ellos eso de ser antifascistas se lo dejan a otros.

Pero con la ideas asentadas como si fueran la verdad y nada más que la verdad, el mundo del pequeño cambiará cuando conoce a alguien que le hace replantearse su propio punto de vista. Así descubre que los judíos no son esa especie de vampiros con garras y sed de sangre con los que le han lavado la cabeza (al igual que más de uno necesita aprender que los inmigrantes no vienen a delinquir y quitar trabajos), demostrando una vez más que la ignorancia y la falta de empatía son los principales problemas del mundo.

Taika Waititi como Hitler y Roman Griffin Davis como mini-Dolera

JoJo Rabbit es una «feel good movie con nazis», si tal término puede existir. Y es que es una película entrañable donde la humanidad acaba ganando la batalla. Y aunque tiene parte de comedia es más inocencia del niño y ver a Waititi haciendo el canelo lo que la hace divertida; pero por encima de todo es entrañable y muy humana.

El niño, una versión infantil y masculina de Leticia Dolera, es una auténtica ricura, lo que ayuda a que conectes más desde el principio, incluso cuando quiere ser un nazi ejemplar. Pero a la vez que va abriendo su mente también nos sentimos más unidos con él y reaccionamos a sus propios dramas. Por cierto, si Scarlett Johansson ya había estado maravillosa este año en Historia de un Matrimonio, no os podéis perder su papel en JoJo Rabbit haciendo de madre luchadora, alguien que intenta darle color al drama y sentido al sinsentido. Y por cierto, una gran maestra de atar cordones.

En definitiva, que vayáis a ver JoJo Rabbit porque de vez en cuando hay que salir de la burbuja en la que vivimos encerrados para conocer lo que tenemos alrededor, hay que abrirse a lo desconocido y replantearse hasta qué punto lo que creemos es correcto. Y ante todo hay que rechazar el fascismo, eso amigos, siempre. Si no lo hacéis por mí, hacedlo por el hecho de que Taika Waititi se haya vestido de Hitler para dejároslo claro.

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Crítica de ‘LE MANS 66’ [Ford V Ferrari]: Christian Bale y Matt Damon unidos por los coches

Título: Le Mans 66| Título original: Ford V Ferrari| Duración: 152 | Año: 2019 | Estreno: 15/11/2019 | País: Estados Unidos| Director: James Mangold| Guion: Jason Keller, James Mangold, Jez Butterworth, John-Henry Butterworth| Reparto: Matt Damon, Christian Bale, Jon Bernthal, Caitriona Balfe, Noah Jupe, Josh Lucas, Tracy Letts, JJ Feild, Ray McKinnon


A pesar de no ser una experta (ni principiante) en carreras de coches y (ni en coches) disfruté muchísimo de Le Mans 66. Es cine comercial  entretenido y apasionante que a pesar de durar dos horas y media consigue mantenerte pegado en la pista desde la salida hasta la meta.

La película cuenta la historia de Ken Miles, el que fuera piloto de carreras de Ford en el 66 y una auténtica leyenda del mundo del motor. Para mí, claro, un auténtico desconocido. Pero eso no impidió que disfrutara como la que más de su curiosa personalidad y su afición por las carreras. Porque la pasión se contagia y desde luego Ken Miles había nacido con una llave inglesa debajo del brazo.

Christian Bale como Ken Miles en ‘Le mans 66’ [Ford V Ferrari]

Le Mans 66 nos muestra el mundo de las competiciones automovilísticas desde dentro. No solo a los pilotos con el volante pegado a las manos, sino también tiene hueco para los ingenieros optimizando el coche y a los empresarios de las grandes compañías luchando por su posición en el mercado. Así es como nos ayuda a tener una perspectiva amplia de una industria con muchos intereses detrás de un trofeo.

Si bien es lógico cuando hablas de un biopic de pilotos de carreras que se te venga Rush a la cabeza, quitaos la película de Ron Howard de la mente. Porque aquí en vez de una rivalidad sangrante os vais a encontrar la pasión por los coches como motor y la amistad como combustible. Lo malo es que tampoco vais a ver a Chris Hemsworth.

Christian Bale y Matt Damon en ‘Le mans 66’ [Ford V Ferrari]

Al que si vais a encontrar es a Christian Bale que, como no podía ser de otra forma, está al igual que siempre fantástico. El pobre ha vuelto a quedarse en los huesos para interpretar a un inglés con más talento que modales pero con más corazón que ambición. El otro protagonista, Matt Damon, consigue que te olvides que estás viendo a Matt Damon y eso siempre es algo muy positivo. Entre los dos forjan una bonita amistad de las de lagrimita incluida que a mí me pone tierna.

LeMans 66 quizás no sea un Ferrari, pero desde luego es un Ford bien apañado que se suma a la carrera por la taquilla este mismo viernes. Yo os animo a que os deis una vuelta, aunque sea como copiloto y disfrutéis de unas bonitas vistas a 151 min por película.


 

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Crítica ‘TERMINATOR: DESTINO OCULTO’ [Terminator: Dark Fate]

Título: Terminator: Destino oculto | Terminator: Dark Fate|Duración: 128 | Año: 2019 | Estreno: 30/10/2019 | País: Estados Unidos| Director: Tim Miller | Guion: David S. Goyer, Josh Friedman, Billy Ray, Justin Rhodes | Reparto: Mackenzie Davis, Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Natalia Reyes, Gabriel Luna, Edward Furlong, Diego Boneta, Enrique Arce, Tristán Ulloa, Alicia Borrachero, Tom Hopper, Cassandra Starr, Brett Azar


Chan chan canchan chan chan chanchan. Estoy segura de que no lo habéis leído, sino que lo habéis escuchado. Y eso es precisamente porque Terminator sigue muy presente a pesar de que hace más de treinta después del estreno de la película que lo originó todo. La misma que nos dio el mejor plano de Schwarzenegger y el más sugerente, salido tal y como el gimnasio lo echó al mundo. Pero también somos consciente que desde que James Cameron rodara la segunda parte, y seguramente la mejor, no se había vuelto a dirigir nada con un Terminator de por medio que estuviera a la altura.

Por eso Terminator: Destino Oscuro vuelve como una nueva oportunidad para agradar a los fans. Es la continuación directa de la segunda, aunque con los años pasando factura hasta al mismísimo Schwarzenegger.  Porque sí, Terminator siempre promete que volverá y lo cumple, a ver si os creéis que los anabolizantes son gratis. Pero también vuelve Sarah Connnor, la única y verdadera, interpretada por Linda Hamilton, que una vez más demuestra por qué es nuestra heroína favorita y a la que mejor le queda eso de aplastar robots.

Imagen de ‘Terminator: destino Oscuro’ con Schwarzenegger

La película tiene un claro enfoque feminista con dos chicas más que se suben a la aventura, por un lado Dani Ramos (Natalia Reyes) como el nuevo objetivo de un Terminator 3.0 muy dopado que tiene como superpoder mostrarnos el esqueleto, y  Grace (Mackenzie Davis) como el cybor encargado de salvarle la vida. La que no acaba tan bien parada es la política migratoria de Estados Unidos a la que le da una patada en toda sus restricciones. Porque la película tiene como telón de fondo la frontera México-EEUU y a la heroína como una mexicana que para salvarnos a todos debe lograr evitar las cárceles humanas que el querido Trump le tiene preparadas.

Terminator: Destino Oscuro es a la vez un homenaje a sus predecesoras y una nueva lectura de la historia. Además Tim Miller no pierde la ocasión de meter guiños, referencias y por supuesto humor, no olvidemos que él está detrás de la mamarracha  y divertida Deadpool. Pero además es una película cargada de acción y sobre todo cargada de armas (parece el cuarto de juego de Clint Eastwood).

Imagen de ‘Terminator: Destino Oscuro’

Ahora bien, es inevitable que con la comparación con sus predecesoras salga perdiendo, pero también es hora de dejar los prejuicios a un lado e ir a disfrutar con una secuela muy digna que no estropea el pasado sino que le da un nuevo enfoque al futuro. Uno en el que Sarah Connor sigue con energía para descuartizar robots y en el que Terminator ha adquirido un extraño gusto por la decoración de interiores (tendréis que verlo para entenderlo)

Pues lo dicho, que Terminator: Destino Oscuro es muy entretenida, amena y una tercera parte digna. Además de una guía de supervivencia para cuando dentro de tres o cuatro años Google se revele contra nosotros; y hacedme caso, lo hará. De momento ya sabe lo que compramos, lo que escribimos, de los que hablamos y hasta lo que pensamos (el que tenga por hábito hacerlo).


 

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Crítica de ‘LA LUZ DE MI VIDA’ (Light of my life): la disculpa de Cassey Affleck

Título: La luz de mi vida| Título original: Light of my life| Duración: 119 | Año: 2019 | Estreno: 11/10/2019 | País: Estados Unidos| Director: Casey Affleck | Guion: Casey Affleck | Reparto: Casey Affleck, Anna Pniowsky, Tom Bower, Elisabeth Moss, Hrothgar Mathews, Timothy Webber, Patrick Keating, Monk Serrell Freed, Lloyd Cunnington


¿Cuál es la reacción normal al saber que Casey Affleck, denunciado por acoso sexual, decide dirigir y protagonizar una película basada en un mundo donde las mujeres se han extinguido casi por completo? Pues primero alucinas, luego te ríes, luego te ríes un poco más porque oye es gratis y bienvenido sea el humor. Y finalmente, arrastrado por la curiosidad, la ves. Claro que una vez vista te das cuenta que en verdad ‘La luz de mi vida’ (Light of my life) es una buena película y dejas de reír para reflexionar.

Pero aunque sea buena, también es evidente de que se trata de una carta de redención de Casey Affleck intentando limpiar su mala conciencia. Además, no lo hace de forma discreta, frases como #NotAllMen o ‘tu eres perfecta tal y como eres no dejes que nadie te diga lo contrario’, aparecen en el guion de forma literal, seguramente sacadas de los retiros espiritual de autocontrol a los que el hermano pequeño de los Affleck tendrá abono de oro.

Pero dejemos la polémica de lado y centrémonos en la película. Es verdad que el contexto en el que nos sitúa es alarmante y deja al hombre en muy mal lugar, insinuando que ninguna mujer está a salvo entre tanto maromo. Pero al fin y al cabo es una ficción apocalíptica y bueno, Shyamalan convirtió a las plantas en asesinas a sueldo y tampoco nos quejamos lo suficiente. Así que haremos un esfuerzo por creer que hay buenas intenciones tras tanta agresividad.

Casey Affleck y  Anna Pniowsky en ‘La luz de mi vida’ (Light of my life)

Ahora vamos a lo importante, a la relación padre e hija. Eso es lo mejor de la película y lo que le da sentido a todo lo demás. La niña, que tiene que hacerse pasar por un niño (como en «ella es el chico» pero en vez de para poder jugar al fútbol para poder jugar a la vida) comienza a madurar y a tomar responsabilidades en un largo camino a ninguna parte; y el padre, que eso de que la niña le haya salido más lista que él le pilla por sorpresa, deberá aprender a delegar tareas y asumir que no tiene el control de todo (y mucho menos de su barba).

Y así con sus más y con sus menos ‘La luz de mi vida’ (Light of my life) es un claro en medio del oscuro pasado de Affleck (espero que solo PASADO), además de una película de una conexión humana increíble entre dos personas llenas de amor el uno por el otro, pero también llenas de miedo y en contante conflicto por seguir adelante.

Por cierto, si a mí me tocara dibujar un mundo únicamente de hombres tendría un aspecto completamente distinto. Todos tendrían la cara de Brad Pitt, el cuerpo de Brad Pitt y el «carisma» de un tal Fassbender. 


 

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Crítica de ‘NOCHE DE BODAS’ (Ready or Not): Sí quiero

Título: Noche de Bodas | Título original: Ready or not| Duración: 95 | Año: 2019 | Estreno: 11/10/2019 | País: Estados Unidos| Director: Tyler Gillett, Matt Bettinelli-Olpin | Guion: Guy Busick, Ryan Murphy | Reparto: Samara Weaving, Andie MacDowell, Mark O’Brien, Adam Brody, Henry Czerny, Nicky Guadagni, Melanie Scrofano, Kristian Bruun, Elyse Levesque, John Ralston


‘Noche de Bodas’ (Ready or not) es un ‘Sí quiero’. Un slasher divertido y sangriento donde la ‘final girl’ va de blanco y los asesinos son la familia política (vamos, la típica boda). Una mezcla de terror y comedia que funciona como un tiro, sobre todo porque sabe cómo mantenernos enganchados de principio a fin, aunque no haya tarta al final de la fiesta.

Cuando Grace (Samara Weaving) se casa con Alex Le Lomas (Mark O’Brien) no tiene ni idea del macabro entretenimiento al que tendrá que jugar si quiere ser aceptada por su nueva familia.  Así es como en medio de una mansión de lujo que a penas conoce deberá convertirse en la campeona mundial de escondite, jugando no solo para ganar sino para sobrevivir una noche más.

La película a primera vista puede ser bastante convencional, pero logra diferenciarse lo suficiente para marcar su propio estilo. Aquí los asesinos no son locos sedientos de sangre, sino ambiciosos multimillonarios que no quieren perder su abono en el Club de campo. Y la novia, en apariencia fina y delicada, se convierte en una chica del Bronx que no está para juegos y tonterías.

Samara Weaving en ‘Noche de Bodas’ (Ready or Not)

Samara Weaving (The Babysitter, Tres anuncios en las afueras) está estupenda, sobre todo desde el momento que hace lo que toda mujer acostumbramos en una boda, tirar los tacones al rincón para ponernos unas converse. Lo que pasa que mientras que nosotras acabamos bailamos la conga embriagadas de alcohol (jamás reconoceré esto en público) ella tiene el inconveniente de correr por su vida. Pero con el vestido destrozado, teñido de rojo sangre y con el rímel emulando al Joker, ella sigue siendo una protagonista de lujo.

El resto de secundarios parecen sacados directamente del tablero del Cluedo. Solo que en esta ocasión Mrs. Amapola ha elegido el hacha y un peinado nada favorecedor para intentar ganar la partida.

Así es como en ‘Noche de Bodas’ (Ready or not) en vez de vivir una velada llena de pasión con champán y rosas, terminamos disfrutando de una brutal cacería donde el inocente cervatillo tendrá que convertirse en un depredador sagaz.  Una cosa más para abriros el apetito, el final es la bomba. ¡A comer perdices!


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Crítica de ‘JOKER’: el Joaquin Phoenix más guasón en su búsqueda del Oscar

«Joker» ha tenido el relativo honor de sumarse recientemente a esa lista de películas cargadas de polémicas y debates desde antes incluso de llegar a las salas. Su papel en la lucha de DC contra Marvel, su elección y posterior victoria en el festival de Venecia y, por último, las recientes alertas sobre el peligroso incremento de tiroteos que podría provocar si se malinterpretara su mensaje. Y así, entre polémica y polémica, apenas nos ha quedado tiempo de hablar de lo verdaderamente importante: la película.

“Joker” se plantea como una película de orígenes, algo típico en el cine de superhéroes, pero enfocada desde el lado del villano, lo que nos lleva a lugares poco comunes aún por explorar. No cabe duda de que el Joker es el villano más conocido de Batman, y que resulta un complemento perfecto para El caballero oscuro. Sin embargo, sería entendible cierta reticencia a contar una historia centrada en él, al ser un personaje difícil de entender sin su contraparte.

Joaquin Phoenix en ‘JOKER’

Podéis estar tranquilos, el resultado final no deja lugar a dudas. No sólo la historia del personaje tiene sentido, sino que su perspectiva añade una gran riqueza a la Gotham que conocíamos hasta ahora. En lugar de la visión de los que la vigilan desde arriba, aquí se nos presenta la de los que la sufren desde abajo. Una ciudad caótica y pérdida, que se entiende mucho mejor al añadir esta nueva perspectiva al conflicto.

Pero nada de esto sería posible sin su protagonista. El de Joker es un regalo para lucirse en pantalla, pero también es un trabajo difícil de sacar adelante. Joaquin Phoenix se ha dejado la piel (y los huesos) para hacer de Joker. Sosteniendo por completo la película, al tratarse esta de un descenso a la locura que vivimos en todo momento desde su perspectiva; la de un hombre roto, traumatizado y con una visión distorsionada de la realidad. Sus bailes, sus movimientos, sus muecas y sobre todo esa risa de dolor tan complicada de conseguir, te calan por completo hasta el punto de acabar entendiendo al villano, que no justificándolo.

Tras la cámara tenemos a Todd Phillips, quien generó no pocas dudas al ser conocido principalmente por dirigir Resacón en las Vegas. Sin embargo, el trabajo de Phillips cerrará la boca a más de uno por lo acertado de sus decisiones. Dotando a la película de un estilo propio y personal, que no renuncia a lo colorido de los cómics, pero los sumerge en una atmósfera oscura, sucia y opresiva. Por no hablar de las no pocas escenas para el recuerdo que nos deja, especialmente en la segunda mitad de la cinta (queda en vuestras manos descubrirlas).

Joaquin Phoenix en ‘JOKER’

Todo esto para contarnos la historia de la otra cara de la moneda. De aquellos olvidados por un sistema en el que mandan las clases altas. Una historia de anarquía y caos, como no podía ser de otra forma tratándose del Joker. Y es que, pese a lo mucho que han renegado de los superhéroes durante su promoción, está claro que entendían perfectamente el material con el que estaban trabajando.

Pero la película también juega con los espectadores y nos convierte en cómplices de su crueldad. Y es que hay una especie de justicia poética en su violencia, para la cual es importante no perder en ningún momento el norte y saber que la crítica es en todo momento a los cimientos de un sistema a punto de colapsar, no un llamamiento a la lucha sin causa.

Es por esto que da todavía más pena pensar en lo mucho que se escribirá sobre lo que la rodea, y lo poco que se hará sobre la propia película. Y que quizás, en todo ese maremoto de artículos sobre si es fascista, sexista, pretenciosa y demás, nos olvidaremos de hablar de un blockbuster de superhéroes que se atrevió a alejarse de la fórmula de éxito. Que supo adaptar la obra sin renunciar a añadir su propia visión. Y, por encima de todo, a una excelente película por mérito propio: JOKER.


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Crítica de ‘IT: CAPÍTULO 2’: los problemas de volverse adulto

Título: It. capítulo 2 | Título original: It. Chapter Two| Duración:165 | Año: 2019 | Estreno: 06/09/2019 | País: Estados Unidos| Director: Andy Muschietti | Guion: Gary Dauberman, Jeffrey Jurgensen | Reparto: Jessica Chastain, James McAvoy, Isaiah Mustafa, Jay Ryan, James Ransone,Bill Hader, Andy Bean, Bill Skarsgård, Xavier Dolan, Will Beinbrink, Teach Grant


Pennywise ha vuelto dos años después para seguir aterrorizándonos en ‘IT 2’. La buena acogida de la primera parte provocó que la secuela estuviese más que cantada. El problema es que frente a una primera película entrañable, emocionante, divertida, sádica y llena de ritmo, esta segunda no ha sabido estar a la altura y nos ha acabado decepcionando.

SINOPSIS IT 2

Veintisiete años después de derrotar a Pennywise, el payaso ha regresado de su hibernación en busca de alimento. El club de perdedores volverá a Derry para cumplir la promesa que hicieron años atrás y vencer al monstruo para siempre. Si la primera vez no fue nada sencillo pararlo, ahora deberán enfrentarse a sus miedos de nuevo para acabar con él definitivamente. Pero enfrentarse al pasado no es una tarea sencilla y mucho menos cuando éste incluye un payaso asesino dispuesto a comerte.

CRÍTICA IT 2

‘IT 2’ es sin lugar a dudas una de las películas más esperadas este 2019. Además, su reparto encabezado por Jessica Chastain, Bill Harper y James McAvoy nos lleva ponentino los dientes largos desde que se confirmara el casting. Por eso quizás la decepción haya sido mayor, porque también las ganas de verlas estaban por las nubes. Es cierto que tiene parte de la esencia que la encumbró hace un par de años, con un espíritu gamberro y atrevido que no escatima en escenas sangrientas y violentas; pero por otra parte ha perdido su encanto, sobre todo al explotar hasta la saciedad la misma fórmula una y otra vez hasta que deja de sorprendernos.

Y es que si bien IT tiene siete protagonistas, son por lo tanto siete niños a los que recordar, siete adultos a los que conocer y siete traumas que superar. Y en todas las ocasiones el desarrollo es exactamente el mismo:  un recuerdo, un payaso disfrazado y un trauma arraigado que sale a la luz, por lo que la sorpresa se pierde al segundo susto y el encanto al tercero.

Además, el punto fuerte del capítulo uno de IT, que era la amistad de los niños y como los perdedores se hacían fuertes unidos, aquí se pierde. Hay algún flasback que nos pone en contexto, pero ya de adultos, y habiendo olvidado su relación, la vuelta es un ejercicio individual y el trauma algo muy personal. Su relación no se construye con naturalidad y de principio a fin son desconocidos luchando su propia guerra.

La selección de casting es un gran acierto y se nota que hay ganas, esfuerzo y todos están involucrados al cien por cien en el proyecto. Pero claro, la magia que se creó con el grupo de niños ya se ha perdido con el paso a la edad adulta, como una propia metáfora de la vida. Aunque Bill Haper está espectacular y él es lo mejor de la secuela. No solo en la comedia, sino también en el drama y en su lucha personal para definirse plenamente.

A los que no les gustó la primera parte no tienen nada que rascar en esta secuela que explota hasta la saturaciñon los puntos fuertes de la anterior. Entre los les gustó habrá división de opiniones: algunos saldrán decepcionado y agotados por la excesiva duración, y otros verán en ella un atrevido broche final a un libro difícil de adaptar. Lo que está claro es que Pennywise es un icono del terror y que seguirá metiéndose en nuestras pesadillas para hacernos flotar.


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Crítica de ‘ANNA’ de Luc Besson: espías y guerra fría


Título: Anna | Título original: Anna| Duración:119 | Año: 2019 | Estreno: 30/08/2019 | País: Francia | Director: Luc Besson | Guion: Luc Besson | Reparto: Sasha Luss, Helen Mirren, Luke Evans, Cillian Murphy, Eric Godon, Eric Lampaert,Pauline Hoarau


Luc Besson vuelve a estrenar película con aquello que más le gusta: mujeres fuertes y poderosas repartiendo golpes a diestro y siniestro. Y por eso el título vuelve a llevar nombre de mujer. Esta vez no se trata de Nikita ni de Lucy, sino de Anna y en vez de situarnos en una distopía futurista nos traslada a  la guerra fría para traernos una película de espías clásica que busca sorprender aunque se queda en el intento.

SINOPSIS ANNA

Anna (Sasha Luss) es reclutada por la KGB como espía y asesina a sueldo con el objetivo de eliminar enemigos de la Unión Soviética. Para ello se hará pasar por super-modelo y se trasladará a París obedeciendo órdenes de su superior Olga (Helen Mirren). Pero en una profesión como la suya permanecer viva es cuestión de suerte y escapar de ese mundo prácticamente imposible.

Imagen de ‘Anna’

CRÍTICA ANNA

Luc Besson deja atrás a Valerian,  los mil planetas y los extraterrestres de colores para dar paso a los espías rusos de primer nivel. Y nos adentra en la guerra fría  y en la constante lucha de egos de los gobiernos rusos y americanos. Anna alterna varias lineas temporales para guiarnos en el complejo entramado de engaños y mentiras sin dejar que nos perdamos. Sin embargo, es mucho más previsible de lo que debería, y siempre vamos un paso por delante de Anna, lo cual contradice la esencia de la película y su personaje. Quizás ni siquiera Luc Besson esté interesado en sorprendernos y solo quiere entretenernos, pero es decepcionante ver que ni la inteligencia rusa ni la americana supera a un espectador medio.

Lo que si está cuidado al detalle es el diseño de producción y el vestuario. Sobre todo cuando nos adentra en el mundo del modelaje y la cara B de la alta costura. Pero aquí lo que debería importar es la acción y eso es por desgracia bastante rutinaria, nada fuera de lo común, nada que nos sorprenda ni si quiera un momento estelar con el que recordarla. Quizás es que John Wick ha puetso el listón tan alto que ahora todos nos parecen minucias.

Imagen de ‘Anna’

Sasha Luss es aún una desconocida en el mundo del cine y a pesar de su presencia arrolladora seguramente tenga más futuro encima de la pasarela que delante de una cámara. Hellen Mirren por su parte parece sacada de la versión parodia de la película y Luke Evans y Cillian Murphy son dos peones que poco tienen que aportar realmente al entramado.

Anna es una película de acción entretenida y en ocasiones divertida  que sin embargo no aporta nada nuevo al género. Al menos Luc Besson crea superheroínas más interesantes que las que nos llegan de Marvel.


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